Alguns dos álbuns de estreia mais bem sucedidos do rock

O sonho do estrelato nem sempre vem fácil. Porém alguns artistas conseguem a façanha de logo em seu trabalho de estreia obterem o reconhecimento mundial que muitos levam anos para conseguir, ou até mesmo acabam ficando pelo caminho... Vamos então recapitular brevemente alguns registros de estreia que tiveram um impacto tão grande que elevaram de cara os artistas envolvidos ao patamar de estrelas, além de serem até hoje influentes e relevantes.

BEATLES – PLEASE PLEASE ME

Embora não fosse a estreia dos Beatles em termos de gravações (a faixa-título e “Love Me Do” já estavam estouradas nas paradas britânicas como compactos simples – formato de sucesso na época), este foi o primeiro álbum completo dos Beatles. Além de pegar esteira no sucesso das duas canções citadas, ambas inclusas aqui, trouxe ainda “I Saw Her Standing There” e a regravação de “Twist and Shout”. O álbum liderou as paradas do “Record Retailer” (jornal britânico especializado em música) por 30 semanas, algo inédito até então.

JIMI HENDRIX – ARE YOU EXPERIENCED?

Cansado de tentar uma carreira nos EUA, seu país natal, Jimi Hendrix foi para a Inglaterra, onde passou a ser venerado. Foi questão de tempo até que Chas Chandler (ex-baixista dos Animals) apostasse suas fichas no maior herói da guitarra da história. E sua genialidade já ficou mais do que latente em seu álbum de estreia: “Foxy Lady”, “Purple Haze”, “The Wind Cries Mary”, “Fire”, “Manic Depression”, a faixa-título... Clássico atrás de clássico...

THE DOORS – THE DOORS

No auge dos tempos lisérgicos ninguém melhor do que Jim Morrison e o The Doors para traduzirem o período. As letras poéticas do vocalista intercaladas com a sonoridade psicodélica dos demais músicos foram um casamento perfeito. “Break On Through”, “Light My Fire”, “The End” e as regravações de “Alabama Song” e “Back Door Man” fizeram deste disco um clássico instantâneo.

LED ZEPPELIN – LED ZEPPELIN

Oriundo do Yardbirds, que revelou ao mundo ninguém menos que Jeff Beck e Eric Clapton, Jimmy Page a princípio visava manter o nome de seu ex-grupo ao recrutar os demais membros do Led – a banda se chamaria “The New Yardbirds” e chegou a se apresentar com este nome. Músico de estúdio já tarimbado, sua união aos talentos dos demais não poderia resultar em outra coisa: uma estreia no mínimo genial! “Good Times Bad Times”, “Baby I’m Gonna Leave You”, “Dazed and Confused”, “Communication Breakdown”, “How Many More Times”... Difícil escolher a favorita...

BLACK SABBATH – BLACK SABBATH

Fazia pouco tempo que o grupo havia mudado o nome para Black Sabbath (anteriormente era Earth), e resolveram adotar a temática de fazer um som “aterrorizante”: o nome veio de um filme de terror B estrelado pelo veterano Boris Karloff. Mal aqueles quatro rapazes de Birmingham poderiam acreditar que suas músicas de repente estavam vendendo e eles passariam a excursionar pelo mundo afora. Se a capa já dava um frio na barriga, a faixa título causa arrepios na espinha até hoje, com sua introdução macabra. “N.I.B.” é outra que se tornou obrigatória em qualquer show do grupo. Sobre as fases iniciais do Sabbath e do Zeppelin falamos também em outra matéria, neste link.

BOSTON – BOSTON

Embora hoje seja mais lembrado por aqui apenas pelo megahit “More Than a Feeling” (a faixa de abertura deste álbum), o Boston fez um sucesso estrondoso lá fora, mais especificamente nos EUA: foi durante anos o álbum de estreia mais vendido da história (sendo desbancado futuramente por um quinteto de hard rock... bem mais a frente vocês verão quem foi). Basicamente recriando o que o grupo compôs em sua fita demo, o disco trazia uma mistura perfeita de refrões melodiosos, guitarras pesadas e uma leve pitada de música clássica – o guitarrista Tom Scholz estudou piano erudito quando mais jovem. Tudo isso aliado aos incríveis dotes vocais do saudoso Brad Delp...

SEX PISTOLS – NEVER MIND THE BOLLOCKS

O grupo arquitetado pelo empresário Malcolm McLaren para serem os representantes do então novo movimento minimalista musical, o punk rock, obteve um sucesso arrebatador logo de cara: seu álbum estreou em primeiro lugar nas paradas britânicas e passou 60 semanas entre os 25 discos mais vendidos no país. “God Save The Queen” e principalmente “Anarchy In The U.K.” se tornaram hinos do movimento e foram regravadas (a segunda, principalmente) por diversos grandes nomes ao longo dos anos.

VAN HALEN – VAN HALEN

A banda que reviveu o espírito festivo do rock, que aliás era a mais quente da região de Pasadena (Califórnia), que arrastava centenas de pessoas para suas apresentações mesmo sem ter sequer gravado um álbum... O Van Halen foi também a banda que deu uma sobrevida ao Hard Rock e ao Heavy Metal, relembrando que o rock podia ser divertido e bem tocado ao mesmo tempo. O virtuosismo de Eddie Van Halen fez (e ainda faz) escola, os refrões cantarolantes (com os vocais de apoio muito bem trabalhados, especialmente pelo baixista Michael Anthony), e a enxurrada de músicas excepcionais fizeram da estreia fonográfica do Van Halen se tornarem um dos discos mais vendidos da década de 1970, e uma das estreias mais bem sucedidas da história – para muitos, até hoje, a melhor estreia da história!

IRON MAIDEN – IRON MAIDEN

A “nova onda do Heavy Metal britânico” trouxe ao mundo uma grande leva de ótimas bandas: Saxon, Def Leppard, Diamond Head, e muitos outros. Veteranos se fizeram valer da onda e revigoraram suas carreiras (Judas Priest e Motörhead são os melhores exemplos). Mas daquela nova invasão britânica, ninguém fez mais sucesso do que o Iron Maiden. Logo de cara Steve Harris e  Cia. entregaram ao mundo preciosidades do tipo de “Phantom Of The Opera”, “Prowler”, “Remember Tomorrow” e a contagiante faixa-título, que já prometia que o Maiden te pegaria onde quer que você estivesse... E a promessa foi cumprida com muito êxito!

OZZY OSBOURNE – BLIZZARD OF OZZ

Obviamente não era a estreia de Ozzy, afinal o mundo inteiro já o conhecia do Black Sabbath. Mas era sua estreia solo, e para quem saiu pela porta dos fundos e totalmente desacreditado de seu primeiro grupo, “Blizzard Of Ozz” foi um recado importantíssimo: o Madman ainda mandava nessa p... toda... Claro que o sucesso deste álbum, perfeito do começo ao fim, em muito se deve à sua banda: o magistral Randy Rhoads e sua guitarra sobrenatural, o baixista Bob Daisley e suas letras inspiradas, o grande Lee Kerslake e sua bateria precisa, além do tecladista Don Airey: como não falar na inesquecível introdução de “Mr. Crowley”?

GUNS N’ ROSES – APPETITE FOR DESTRUCTION

A banda mais perigosa do mundo. Era assim que o Guns N’ Roses era apresentado ao mundo. Mas não era só isso. O som deles era um petardo sonoro! E embora a MTV torcesse o nariz a princípio, “Welcome To The Jungle” estourou e deixou todos de joelhos e gritando... mesmo tendo sido veiculado a princípio apenas em horários nada comerciais. Foi o passaporte para que a banda explodisse no mercado norte-americano, vindo inclusive a tocar no tradicional Monsters Of Rock em Donington, na Inglaterra. Na esteira vieram “Paradise City”, “Sweet Child O’ Mine”... e “Appetite” se tornou o álbum de estreia mais vendido da história, desbancando o Boston...

ALICE IN CHAINS – FACELIFT

O falecido Jani Lane, vocalista do Warrant, costumava citar em suas entrevistas que o alerta vermelho de que as bandas de glam não eram mais as queridinhas do público foi aceso quando ele entrou no escritório de sua gravadora e o pôster de sua banda foi substituído por um do Alice In Chains. A primeira banda a estourar do chamado “movimento grunge de Seattle” já mostrava desde o começo que não estava para brincadeiras... Só a trinca que abre o álbum (“We Die Young”, “Man In The Box” e “Sea Of Sorrow”) já deixava qualquer um arrepiado... e ainda deixa...

PEARL JAM – TEN

Outra banda de Seattle que explodiu logo no primeiro álbum foi o Pearl Jam. Stone Gossard e Jeff Ament vieram do Mother Love Bone, banda que havia acabado de lançar seu primeiro álbum poucos meses depois de seu vocalista Andrew Wood ter falecido por overdose. Para a nova empreitada se uniram ao guitarrista Mike McCready, ao baterista Dave Krusen e a um vocalista desconhecido que residia em San Diego, Eddie Vedder. “Alive”, “Even Flow”, “Black” e “Jeremy” são praticamente obrigatórias até hoje nos shows do grupo. E ainda tinha muito mais: “Once”, “Why Go”, “Oceans”, “Porch”... uma estreia pra lá de perfeita e até hoje o álbum mais bem sucedido do grupo.

OASIS – DEFINITELY MAYBE

Já falamos sobre o álbum do Oasis anteriormente. Confira neste link.

Abbey Road: a despedida em grande estilo dos Beatles

Há cinquenta anos atrás os noticiários dividiam suas atenções entre a chegada do homem à Lua, a Guerra Fria entre EUA e União Soviética, a Guerra do Vietnã, o fim da era paz e amor dos hippies... E em meio a isso tudo, mais uma bomba: Paul McCartney anunciava que estava deixando o grupo que ajudou a fundar e conquistou o mundo de maneira avassaladora havia menos de dez anos. Se os Beatles já viviam mergulhados numa crise interna que só piorava com o passar do tempo (principalmente após a morte do empresário Brian Epstein), aquele anúncio parecia ser a gota d’água: os demais membros decidiram que era o momento do grupo encerrar de vez as atividades. O sonho estava chegando ao final...

Naquele ano o quarteto havia se reunido com um quinto músico, o tecladista Billy Preston, e estavam em processo de gravação de um álbum que se chamaria “Get Back”, que visava resgatar um pouco as origens do grupo, num som mais simplificado, sem as orquestrações e arranjos que vinham acompanhando seus últimos trabalhos, buscando um rock mais direto, gravando ao vivo em estúdio com todos reunidos novamente. Mas as brigas contínuas deixavam o ambiente tóxico demais (um pouco disso tudo pode ser visto no filme documental “Let It Be”, de Michael Lindsay-Hogg). Com a decisão de acabar o grupo, os quatro músicos fizeram um acordo em deixar para trás aquele projeto que parecia estagnado e iniciar um novo álbum, que viria a ser uma despedida digna de um dos maiores fenômenos da história da música moderna: nascia ali o embrião de “Abbey Road”.

Trazendo de volta o produtor George Martin (o projeto anterior seria produzido por Phil Spector, atendendo ao desejo de John Lennon), os Beatles começaram as gravações cerca de três semanas depois de darem um intervalo às malfadadas sessões do início do ano. E a primeira música a ser trabalhada seria “I Want You (She’s So Heavy)”, baseada em uma ideia de Lennon, contando com a participação de Billy Preston nos teclados. Um intervalo de pouco mais de um mês, devido à participação de Ringo Starr em um filme, e o quarteto voltaria a todo vapor para produzir “Because”, uma das mais belas gravações vocais da história do rock, e “You Never Give Me Your Money”, uma colagem de 3 músicas inacabadas de Paul McCartney: esta mesma junto a “Magic Feeling” e “My Sweet Dreams”.

Dali por diante, uma enxurrada de clássicos foi surgindo: “Here Comes The Sun”, segundo Eric Clapton surgida numa manhã em que George Harrison acordou em sua casa e foi ao jardim com seu violão saudar o astro-rei; “Something”, também de George, em homenagem à sua então esposa Pattie Boyd; “Come Together”, surgida de uma canção tema para o guru lisérgico Timothy Leary que concorria ao governo da Califórnia; “Octopus’s Garden”, uma pérola de Ringo Starr cuja inspiração surgiu em um passeio no iate do ator Peter Sellers... e a cereja do bolo: o famoso Medley que toma conta da segunda metade do álbum, começando com a já citada “You Never Give Me Your Money” e culminando com a tríade “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” e “The End”, passeia por diversas ideias inacabadas de canções de Lennon e McCartney, todas amarradas de maneira tão espetacular que pareciam ter sido feitas especialmente para a ocasião...

E algumas preciosidades ainda acabaram por ficar de fora do produto final: “All Things Must Pass”, de George Harrison (que aliás batizaria seu clássico álbum solo triplo) chegou a ser ensaiada durante as gravações e uma demo dela feita pelo guitarrista (bem como de “Old Brown Shoe”) apareceria posteriormente na coletânea “Anthology 3”; “Come and Get It”, composição de Paul McCartney gravada pelo Badfinger, também foi outra acabou não entrando, e uma demo com Paul executando todos os instrumentos pode ser ouvida também em “Anthology 3” – em 2011 ele acabou incluindo a canção em algumas de suas apresentações ao vivo.

Algumas curiosidades: 

- “Abbey Road” é o nome da rua onde ficam os estúdios da gravadora EMI onde os Beatles gravaram praticamente todos os seus álbuns – nome que também batiza o estúdio. E nada melhor do que estampar a capa com uma foto dos músicos atravessando a faixa de pedestres que leva à sua entrada – uma das fotos mais icônicas da história da cultura popular. 

- É até hoje o disco mais vendido do quarteto. 

- Foi o primeiro álbum da história a ser gravado em uma mesa de oito canais, uma verdadeira revolução para a época.

- Alan Parsons foi assistente de som nas gravações, e ficaria mundialmente conhecido pelo seu trabalho como engenheiro de som na obra-prima do Pink Floyd “The Dark Side Of The Moon” – posteriormente criaria o “Alan Parsons Project”, com grandes êxitos no universo do rock progressivo.

- O Fusca que aparece na capa do álbum encontra-se hoje em dia no Museu da Volkswagen em Wolfsburg, na Alemanha.

Recentemente foi divulgada a existência da gravação do áudio de uma reunião dos Beatles que desmente a tese de que eles já davam como certo o fim da banda quando este disco foi lançado, onde inclusive eles planejavam como seria o próximo álbum, mas isso já é assunto para uma outra ocasião... Hoje é comemorar os 50 anos de uma verdadeira obra de arte que sintetiza tudo aquilo o que eles foram e representam para a história da música popular... Beatles 4 Ever... Para sempre e sempre...

Pattie, George e Eric: um triângulo amoroso

Você que é fã de Beatles, ou de boa música em geral, com certeza conhece “Something”, a belíssima composição de George Harrison que faz parte do álbum “Abbey Road”, segundo Frank Sinatra, “a mais bela canção de amor já escrita”. E quem conhece a carreira de Eric Clapton também com certeza tem “Layla” entre suas músicas favoritas (aliás, a favorita de muitos, inclusive deste que vos escreve). Mas você leitor sabia que ambas as canções foram escritas em homenagem a uma mesma mulher?

Patricia Anne Boyd, ou Pattie Boyd como é mais conhecida, era modelo na Inglaterra nos anos 1960, quando foi convidada a ser figurante em um filme dos Beatles, “A Hard Day’s Night” (1964). Lá conheceu e se envolveu com George Harrison, com quem se casaria em janeiro de 1966.

Pouco tempo depois, Eric Clapton ficou amigo de George. Um tanto quanto tímido e deslocado, Clapton se sentiu a vontade na presença do Beatle e a afinidade entre ambos foi muito grande desde então. Eric tocava com o bluesman John Mayall, foi chamado de “Deus” em uma pichação, mas iria se tornar um superstar mesmo com o estouro do Cream, o Power trio que montou junto a Ginger Baker e Jack Bruce. A amizade com George o levou a gravar um solo de guitarra antológico na maravilhosa “While My Guitar Gently Weeps”, do álbum homônimo dos Beatles de 1968 (mais conhecido como “Álbum Branco”).

O que ninguém esperava, porém, era que Clapton iria se apaixonar pela esposa de um de seus melhores amigos. Cabe aqui ressaltar que o final da década foi um tanto quanto conturbada para ele: o Cream acabou, seu avô (que o criou como filho, já que ele não conheceu o pai) havia falecido, e a depressão o levou a afundar nas drogas. Parecia que a luz que poderia salvá-lo seria a figura angelical de Pattie Boyd.

Com George viajando bastante e ainda muito atarefado com compromissos musicais, foi questão de tempo até que Eric finalmente criasse coragem e se declarasse para Pattie. Clapton teria em uma noite conseguido convencê-la a dormir com ele, mas foi algo que deveria ter durado apenas aquela noite. Dias depois, em uma festa, Eric chamou-a para conversar. Abriu seu coração e disse que estava completamente apaixonado por ela, queria que ela se separasse de George para que pudessem se casar. No momento de indecisão de Pattie, George surge do nada na festa. Completamente irritado, mal olha para os dois, apenas se vira e pergunta para a esposa se ela iria com ele para casa ou não. Pattie foi.

Eric ficou arrasado. Não queria magoar o amigo, mas não conseguia se ver livre da obsessão pela garota. Visando respirar novos ares, monta o novo projeto Derek and the Dominos, partido para Miami para gravar um álbum que contaria com a participação do grande Duane Allman. Mas Pattie não saía de seus pensamentos. Tanto que o álbum “Layla and Other Assorted Love Songs” (1970) é uma declaração de amor a ela. Em “Bell Bottom Blues” ele implora: “Você quer me ver arrastando pelo chão por você?/Você quer me ver te implorando para voltar?”. Já em “Layla”, a letra da música inteira deixa extravasar a paixão. De modo a disfarçar, muda o nome da garota na canção inspirado em um livro árabe chamado “A História de Layla e Manjun”, que narrava justamente uma história de amor não correspondido.

Quando o álbum fica pronto, Eric pega uma cópia e chama Pattie ao seu apartamento para ouvir em primeira mão. Era sua última cartada para tentar conquistar de vez o seu amor. Pattie fica emocionada e sem palavras, mas vai embora dizendo que não poderia abandonar seu casamento... Mesmo com o sucesso do álbum, Clapton se afunda de vez nas drogas e bebidas. Especula-se que a belíssima “Isn’t It a Pity?” de George Harrison teria sido uma resposta ao amigo, tanto quanto servia de desabafo ao tumultuado fim dos Beatles. A canção foi lançada no álbum “All Things Must Pass”, também de 1970.

O casamento de George e Pattie ia de mal a pior. Infidelidade de ambos os lados (George ainda tinha muitas groupies, Pattie se envolveu com Ron Wood), muitas drogas usadas por ambos, e um clima insuportável levaram a união a terminar em 1974. Não demorou até que ela e Clapton começassem a ter alguns encontros amorosos. E no final da década, em 1979, os dois finalmente se casaram. Era para ter sido o momento de maior felicidade na vida do deus da guitarra, mas foi muito longe disso...

O ambiente era praticamente o mesmo do casamento anterior de Pattie: drogas, bebidas, traições, muitas brigas... tanto que o casamento acabou na segunda metade da década seguinte. Embora ela admita que tenha usado drogas e bebidas em ambos os casamentos, nunca se tornou uma viciada, ao contrário do que ocorreu com os músicos. Clapton em especial só conseguiu se livrar de vez dos maus hábitos após o falecimento de seu filho Connor, de 4 anos de idade (que o inspirou a compor "Tears In Heaven"), filho de um relacionamento do guitarrista com a italiana Lory Del Santo – segundo relatos, ambos já estavam envolvidos antes mesmo do divórcio se consumar.

E embora tudo isso tenha ocorrido, George e Eric permaneceram amigos até o fim. George certa vez teria dito a Eric que "preferia que Pattie ficasse com ele, pois sabia que era um amigo e que ele cuidaria bem dela". 

Dois ótimos documentários onde a história é relatada são os biográficos "Living In The Material World", dirigido pelo genial Martin Scorcese, sobre George Harrison, e "Life in 12 Bars", de Lili Fini Zanucki, sobre Eric Clapton. Imperdíveis biografias sobre dois músicos espetaculares!

10 cinebiografias que você precisa conferir

Não duvide: as cinebiografias de músicos (em especial do rock) chegaram para ficar, e têm tudo para virar um filão extremamente rentável nos cinemas, a exemplo do que ocorreu com os filmes de heróis. O gênero custou um pouco a ser descoberto pelas grandes produtoras, haja vista que a cultura nerd anda dominando o cinema, mas depois do sucesso nas bilheterias de “Bohemian Rhapsody”, o premiado filme biografia do Queen, e do alvoroço causado por “The Dirt”, filme da Netflix que traz a história do Mötley Crüe, já aguardamos ansiosamente os próximos lançamentos: já teremos bem em breve “Rocket Man”, que trará a história de Elton John, assim como já há projetos iniciados sobre Elvis Presley, Sex Pistols e David Bowie (este, até onde foi divulgado, sem a autorização da família do saudoso Camaleão). E enquanto eles não chegam, que tal revermos 10 filmes do gênero que antecederam este momento? Vamos lá?

SID & NANCY – O AMOR MATA (Sid & Nancy, 1986) – SID VICIOUS

O filme de Alex Cox retrata a trajetória de Sid Vicious, baixista da banda punk (interpretado pelo sempre fantástico Gary Oldman), e seu envolvimento com a namorada Nancy Spungen (Chloe Webb). O vício de ambos em heroína e seu relacionamento intenso levaram Sid a ser o principal suspeito da morte da namorada, que o levaria à prisão. Após pagar fiança, Sid morre pouco tempo depois de overdose, aos 21 anos.

LA BAMBA (La Bamba, 1987) – Richie Valens

Richie Valens foi um dos três cantores que morreram no acidente aéreo em 1957 (junto a Buddy Holly e The Big Bopper), fato que levou aquele dia 3 de fevereiro ficar conhecido como “o dia em que a música morreu”. Valens (interpretado por Lou Diamond Phillips) tinha apenas 17 anos, e o filme mostra como sua ascensão meteórica ocorreu, graças a uma canção que compôs para uma colega de colégio por quem se apaixonou (“Donna”) e à regravação de uma canção típica mexicana, que dá nome ao filme. Mostra também sua origem humilde, seus problemas familiares, e o preconceito sofrido que lhe impediu de namorar oficialmente Donna Ludwig.

A FERA DO ROCK (Great Balls Of Fire, 1989) – JERRY LEE LEWIS

A biografia de um dos pioneiros do rock foi dirigida por Jim McBride e trouxe um caricato Dennis Quaid no papel de Jerry Lee Lewis. Sua interpretação exagerada porém não chega a atrapalhar o filme, que acompanha sua escalada ao sucesso, seu problema com a bebida, a relação tumultuada com o primo Jimmy Swaggart (Alec Baldwin), que viria a ser um dos mais famosos pregadores televisivos dos EUA, e o controverso casamento com a prima de 13 anos (interpretada por Winona Ryder), que acabou lhe custando todo o sucesso obtido, após passar a ser execrado pelo público e taxado de pedófilo.

THE DOORS (The Doors, 1991)

Talvez um dos melhores filmes biográficos já feitos (não só musicais, mas em geral). Fruto da direção do grande Oliver Stone e da interpretação magnífica de Val Kilmer (que chegou efetivamente a cantar em várias cenas, e não apenas dublar). Como o título demonstra, conta a história da banda, principalmente da figura pra lá de controversa de Jim Morrison, os bastidores do sucesso do grupo, o relacionamento de Jim com Pamela Courson (Meg Ryan), seus escândalos e a morte do cantor, em 1971. Se desta lista você puder escolher apenas um, esse é o filme!

BACKBEAT – OS CINCO RAPAZES DE LIVERPOOL (Backbeat, 1994) – STUART SUTCLIFFE

Sim, o filme é sobre os Beatles. Mais especificamente sobre a fase antes da fama dos Beatles, quando decolaram sua carreira em Hamburgo, na Alemanha, virando uma banda favorita local. Mas não é propriamente uma biografia dos Beatles. O filme foca essencialmente em Stuart Sutcliffe (Stephen Dorff), ex-baixista do grupo (na época Paul McCartney tocava guitarra), sua relação com o grupo, seu envolvimento com a fotógrafa alemã Astrid Kirchherr (Sheryl Lee) e seu dilema entre permanecer no grupo ou se dedicar à pintura, sua real paixão. Belíssimo filme, com uma ótima trilha sonora, onde as canções tocadas pelos Beatles foram recriadas por um time que reúne Dave Pirner (Soul Asylum), Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana), Mike Mills (R.E.M.), entre outros...

HYSTERIA – A HISTÓRIA DO DEF LEPPARD (Hysteria – The Def Leppard Story, 2001)

O filme produzido pelo canal de TV norte americano VH1 padece um pouco de recursos (não teve um orçamento milionário como as produções cinematográficas) e também deixa a desejar um pouco nas atuações do elenco, mas de um modo geral conta muito bem a trajetória do Def Leppard desde seu início até o auge do sucesso, com o lançamento do álbum que dá nome ao filme. Aborda a ascensão meteórica do grupo, a demissão do guitarrista Pete Willis e sua substituição por Phil Collen (interpretado por Esteban Powell), a situação delicada do acidente que amputou o braço do baterista Rick Allen (Tat Whalley), a luta do guitarrista Steve Clark (Karl Geary) contra o alcoolismo... Vale a pena conferir!

CAZUZA – O TEMPO NÃO PARA (2004)

“Cazuza” é um bom filme, mas irregular: recria com muitos detalhes as cenas ao vivo do Barão Vermelho e da carreira solo do cantor, traz uma atuação magistral de Daniel de Oliveira e do elenco todo de forma geral, mas parece que falta um pouco mais de substância pra virar um filmão. De qualquer forma, merece ser conferido sem dúvidas... E vale lembrar que Daniel também cantou de verdade em várias cenas do filme...

O GAROTO DE LIVERPOOL (Nowhere Boy, 2009) – JOHN LENNON

Mais um filme dos Beatles? Sim... e não... Na verdade, “Nowhere Boy” foca na história de John Lennon (Aaron Johnson), mais precisamente em sua juventude, antes da fama. Na sua traumática história de separação dos pais ainda pequeno, sua criação pela rigorosa tia Mimi (Kristin Scott Thomas, sempre brilhante), a retomada do relacionamento com a mãe Julia (Anne-Marie Duff) e o envolvimento de John com a música, o encontro com Paul McCartney (Thomas Sangster) e George Harrison (Sam Bell) e a formação do grupo The Quarrymen, que viria a se tornar os Beatles. Obrigatório para os fãs e uma ótima pedida também para quem não se liga tanto na história dos Fab Four.

SOMOS TÃO JOVENS (2013) – RENATO RUSSO

Renato Russo tem contada aqui sua história contada antes do sucesso da Legião Urbana. Narra desde a sua mudança do Rio de Janeiro para Brasília em 1973, seu problema grave de saúde (epifisiólise, uma rara doença óssea) que o deixou confinado por um bom tempo, o que o levou a escrever poesias e se envolver profundamente com a música, até a formação das bandas Aborto Elétrico e a Legião. Fez sucesso nas bilheterias, mas ficou um pouco aquém do retorno esperado pela produção, haja vista tratar da história de um dos maiores ícones do rock nacional.

THE RUNAWAYS – AS GAROTAS DO ROCK (The Runaways, 2014)

O longa de Floria Sigismondi (uma das mais requisitadas diretoras de video clipes) recria muito bem a história da primeira grande banda de sucesso totalmente feminina no rock, as Runaways, fruto de uma ideia concebida pela guitarrista Joan Jett (Kristen Stewart, da saga “Crepúsculo”), ideia esta que foi “comprada” pelo controverso produtor e compositor Kim Fowley, que a apresenta à baterista Sandy West (Stella Maeve). Paralela à formação do grupo, é apresentada brevemente a história da vocalista Cherie Currie (Dakota Fanning), até sua entrada no grupo. O filme passa brevemente por todos os momentos chaves da rápida e intensa história do grupo, que durou pouco mais de três anos, e termina com Joan se lançando em sua bem sucedida carreira solo. Programão!

Helter Skelter: a música que Charles Manson "roubou" dos Beatles

“Helter Skelter”. Uma das mais famosas canções do álbum homônimo dos Beatles lançado em 1968 (também conhecido como o “Álbum Branco”), regravada por vários artistas, entre eles Aerosmith,  Mötley Crüe, U2 e Oasis. Para muitos, o marco inicial do heavy metal. Como foi que uma música concebida apenas para ser uma diversão barulhenta, acabou se tornando uma fonte de inspiração de alguns dos crimes mais chocantes dos Estados Unidos no século passado? Vamos recapitular brevemente este trágico episódio, desde a concepção da canção até os trágicos crimes liderados por Charles Manson.

“Esta é música mais barulhenta, crua e suja que já gravamos”

Pete Townshend, do The Who, sobre sua música “I Can See For Miles”.

“Seria ótimo fazer uma música assim...”

Paul McCartney, ao ler a entrevista de Townshend.

“É totalmente Paul... não tem nada a ver com nada, e menos ainda comigo...”

John Lennon, sobre “Helter Skelter”.

“Estou com bolhas nos meus dedos!!!”

Ringo Starr, baterista dos Beatles, gritando ao final de “Helter Skelter”.

“Por causa desta música eu perdi minha mulher”

Roman Polanski, cineasta, sobre “Helter Skelter”.

“Esta é uma canção que Charles Manson roubou dos Beatles, e nós estamos roubando de volta”

Bono, vocalista do U2, ao anunciar “Helter Skelter”, no filme “Rattle And Hum”.

UMA “RESPOSTA” AO THE WHO

Nos idos de 1968, os Beatles haviam definitivamente deixado de ser aquela banda de composições inocentes de seu começo de carreira. Gradativamente, o experimentalismo passa a fazer parte de seu som. A essa altura, já haviam lançado os maravilhosos “Revolver” e “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, que fugiam totalmente dos padrões do “iê-iê-iê” de seus primeiros anos. Paul McCartney admite que a idéia de fazer um álbum como “Sgt. Pepper’s” surgiu após ele ter ouvido a obra-prima dos Beach Boys, “Pet Sounds” – Paul teria se sentido desafiado a fazer um álbum ainda melhor do que aquele da banda norte-americana. Pois o mesmo sentimento de necessidade de “se sobrepor à concorrência” apareceu durante as gravações do famigerado “Álbum Branco”, onde a idéia agora era de superar um feito do The Who.

Em entrevista à revista Guitar Player, Pete Townshend, guitarrista e líder do The Who, afirmava que “I Can See For Miles”, do álbum “The Who Sell Out”, era a canção mais “barulhenta, crua e suja” que eles já haviam gravado. Instigado pela declaração, sir Paul resolveu ouvi-la mais atentamente, pensando em como seria divertido fazer uma canção seguindo tais parâmetros. Em seu modo de ver, a música do The Who era até que bem sofisticada e estruturada, longe do caos que a tal declaração poderia sugerir. Desafiado a gravar algo realmente barulhento, ele escreve “Helter Skelter” (que foi creditada à dupla Lennon – McCartney, como todas as canções que qualquer um deles compusesse, mesmo que isoladamente, dentro da banda). O termo em inglês significa “confusão fora de controle”. Mas para os britânicos era também o nome de um popular tobogã que era sucesso em parques de diversões. A letra da música traz em sua primeira estrofe justamente uma descrição do que seria uma volta no tal brinquedo: “When I get to the bottom I go back to the top of slide, where I stop, and I turn, and I go for a ride, till I get to the bottom, and I see you again...” (“Quando eu chego ao fundo, eu volto ao topo do escorregador, então eu paro e me viro e dou uma volta, até que eu chegue ao fundo e lhe veja de novo...”).

Uma letra boba e despretensiosa, mas que gerou ao longo dos anos as mais diversas interpretações. Segundo Paul, a princípio a idéia seria de uma música sobre a ascensão e queda do Império Romano, usando metaforicamente a imagem do escorregador, mas que no final acabou sendo “apenas uma canção ridícula e divertida, que nós gravamos por gostar do barulho”. Para alguns grupos radicais religiosos, a canção abordava a descendência ao inferno, mostrando alguém numa tentativa de escapar de suas profundezas e não conseguindo – baseando tal teoria em metáforas estapafúrdias e no vocal “desesperado” de Paul. Já para o sociopata Charles Manson, os tais versos iam bem mais além, como veremos mais adiante.

AS SESSÕES DE GRAVAÇÃO

Foram feitas várias e várias tomadas, durante o processo de gravação do álbum mais desconcertante do quarteto. Uma de suas primeiras versões tinha a incrível duração de 27 minutos e 11 segundos (!!!). Segundo depoimentos de quem já a ouviu, era mais arrastada e hipnótica do que a versão final que chegou ao vinil. A lendária versão longa chegou a ser cogitada para fazer parte da coleção “Anthology”, mas o produtor George Martin, após ouvi-la mais uma vez, achou que não tinha nada demais, e foi feita a opção por outra gravação mais curta, de 4:37 – na verdade, tratava-se de uma edição de outro longo take, que durou cerca de 11 minutos, aproximando-se bastante da outra mais longa. Quanto à versão que realmente entrou no disco original, foram gravados no mesmo dia 18 takes, durando em média cinco minutos cada um. E foi justamente o último deles o escolhido como definitivo, onde ao final pode-se ouvir Ringo jogando as baquetas pelo estúdio e gritando: “I’ve got blisters on my fingers!!!” (“Estou com bolhas nos meus dedos!!!”). Reza a lenda que enquanto Paul gravava os vocais, George Harrison corria pelo estúdio com um cinzeiro em chamas sobre sua cabeça, como uma espécie de coroa flamejante à la Arthur Brown... Tudo devidamente registrado em um misterioso vídeo que os fãs jamais assistiram e permanece arquivado no acervo pessoal do grupo...

Um outro detalhe curioso: a versão definitiva de “Helter Skelter” não foi produzida por George Martin, como de costume. Ele se encontrava em férias, e Chris Thomas havia sido contratado para substitui-lo no período. Chris relata que inicialmente sofreu muita rejeição por parte da banda e mal conseguia abrir a boca. E a coisa piorou ainda mais após seu primeiro diálogo com um Beatle. Ao conversar com Paul, sua motivação foi de vez para o ralo. Segundo ele, foi mais ou menos assim.

PAUL: 'O que você está fazendo aqui?'

CHRIS: 'George (Martin) não te falou?'

PAUL: 'Não!'

CHRIS: 'Bem, ele disse para eu vir até aqui e ajudar vocês.'

PAUL: 'Bom... se você quiser produzir nosso disco, você pode. Se você não quiser, então eu posso te dizer para ir se f...'

CHARLES MANSON E SUAS “FAMÍLIAS”

Charles Manson nasceu em Cincinnati, Ohio, em 12 de novembro de 1934. Era filho de uma prostituta (sem trocadilhos) alcoólatra e seu pai mal parava em casa. Em um lar tão desequilibrado, a consequência não poderia ser outra: logo ele se tornou um delinquente juvenil, e frequentemente era internado em reformatórios, acusado principalmente de crimes de falsificação e roubo. Não demorou muito e, ao fugir de um deles, foi expulso de casa pela mãe. Chegou a se casar duas vezes nos anos 1950: no primeiro casamento, por volta de 1956, teve um filho, que nasceu enquanto ele estava preso por ter perdido um de seus julgamentos; no segundo, em 1959, contraiu matrimônio com Crystal Gosser, que depois se revelou uma serial killer e foi internada em um hospício. Após várias outras prisões por todo o país na década seguinte e o nascimento de um segundo filho, em 1967 ele se muda para San Francisco, no auge do movimento hippie.

Na Califórnia, Manson se refugia em uma velha fazenda abandonada, outrora utilizada como cenário de velhos filmes de faroeste. Lá implanta uma espécie de seita com princípios extremamente questionáveis, onde seus seguidores são chamados de “A Família” e crêem piamente que Manson, o seu “messias”, é o próprio Jesus Cristo reencarnado.

Dentre os atos pouco ortodoxos difundidos por ele estão a máxima nazista da supremacia da raça branca, a separação das crianças de seus pais, invasão e saque de residências e lixos de supermercados, além de orgias regadas a muito LSD entre seus membros. Depois de algum tempo, Manson acha uma nova fonte para suas idéias insanas: ele acredita que os Beatles são os cavaleiros do apocalipse que vieram à Terra anunciar o fim do mundo através de suas músicas. E para ele tudo estava claro em várias de suas canções, principalmente as do “Álbum Branco”, que formariam um grande apanhado com as tais mensagens que só ele via: “Yer Blues”, por exemplo, incitava ao suicídio (“Yes I’m lonely, wanna die...” – “sim, estou só, quero morrer...”); “Revolution #9”, que segundo ele narrava os sons do próprio Armageddon; “Blackbird” seria sobre os Panteras Negras (“You were only waiting for this moment to arise” quer dizer “Você só estava esperando por este momento para se erguer” – mas “arise” também pode significar “rebelar-se” ) e “Piggies” sobre os “porcos brancos” (“...and for all the little piggies, life is getting worse...”; “...what they need is a darn good whacking...” – “...e para todos os porquinhos, a vida está piorando...”; “...o que eles precisam é de uma boa surra...”). E a “cereja do bolo” seria “Helter Skelter”, que na concepção do maluco tratava da batalha final na Terra, onde os negros conseguiriam impor sua soberania sobre os brancos e o mundo como conhecemos chegaria a um final trágico...

HELTER SKELTER COLOCADO EM PRÁTICA

Apesar de tanta maluquice, a seita de Manson cresceu bem, e a idéia agora era expandir suas idéias para o resto do mundo, e o primeiro passo seria através da gravação de um disco. Mesmo com toda a influência que conseguia ter, inclusive em pessoas donas de cargos importantes em estúdios e gravadoras, ele não obtém sucesso na empreitada, não passando da gravação de um compacto simples. Em 9 de agosto de 1969, indignado com o produtor musical Terry Melcher, filho da atriz hollywoodiana Doris Day, por ter lhe negado um contrato para lançar um álbum com suas músicas (inclusive a suposta versão original da canção dos Beach Boys “Never Learn Not To Love”, do álbum “20/20” dos californianos, que ele afirmava ser um plágio de sua música chamada “Cease To Exit”), Manson recruta sua família para um ato radical: como o tempo estava passando muito rápido e o fim dos tempos se aproximava, a saída era invadir o apartamento que pertencia ao produtor e assassina-lo, iniciando ele próprio o que seria o “Helter Skelter”, o único meio de chamar a atenção do resto da população para a tragédia iminente. Só que Melcher não residia mais no local, e quem acabou pagando por tudo foram a nova moradora, a atriz Sharon Tate, e seus amigos. Tate, em seus últimos dias de gravidez e esposa do cineasta Roman Polanski, promovia uma festa em casa com alguns amigos. A “Família” liderada por Manson consegue invadir o local e promove uma chacina sem precedentes. A atriz, para se ter uma idéia da covardia, faleceu com dezesseis facadas, onde cinco delas já seriam fatais isoladamente, segundo a perícia. Com o sangue de suas vítimas, os assassinos escrevem nas paredes palavras como “Helter Skelter”, “Political Piggy” (referência a “Piggies”, chamando as vítimas de “porcos políticos”) e “Arise” (extraída da letra de “Blackbird”). Curiosamente, um dos membros da “Família” atendia pelo apelido de “Sexy Sadie”, mesmo nome de uma das músicas do disco branco dos fab four.

Mal houve tempo para a imprensa noticiar tamanha tragédia e Manson e seus seguidores arquitetam mais um crime absurdo. Aleatoriamente, escolhem uma nova residência para cometer mais assassinatos, pois ele julgava que os atos da noite anterior não haviam tido o resultado desejado. Chegam à casa de Leno LaBianca, presidente de uma rede de supermercados da Califórnia, assassinando não só ele (com 12 facadas e 14 ferimentos feitos por um garfo de duas pontas ), mas também sua esposa (com 41 ferimentos perfurantes). No peito de Leno, entalharam em sua carne a palavra “War” (“guerra”). A barbaridade dos crimes causaram pânico entre as celebridades e pessoas ricas que moravam próximos aos locais escolhidos pela “Família” para cometer seus atos. Apesar disso e da similaridade dos crimes, bem como as armas utilizadas e as palavras escritas com sangue, a polícia tratou os crimes como casos isolados. Manson e seus seguidores acabariam sendo presos em uma batida policial na fazenda onde moravam. No decorrer do processo judicial, fatos estranhos aconteceram, como o assassinato de Ronald Hughes, advogado de defesa que ousou desafiar as vontades de Manson, bem como tentativa de homicídio de Barbara Hoyt, testemunha de acusação, utilizando-se um hambúrguer cheio de LSD.

Tudo foi retratado detalhadamente no livro de mais de 700 páginas chamado (adivinhem só?) “Helter Skelter”, de Vincente Bugliosi, o promotor que liderou o processo contra a “Família” – um dos mais longos da história dos Estados Unidos. O livro deu origem, ainda, a dois filmes, um feito para o cinema em 1976, e outro para a TV em 2004.

Charles Manson foi condenado à pena de morte, mas devido a uma alteração nas leis da Califórnia (que aboliu este tipo de condenação) teve sua sentença alterada para prisão perpétua. E infelizmente, ao que parece, ele fez escola, afinal o que já surgiu de doidos nesses quarenta anos depois, matando ou se suicidando, dizendo terem sido influenciados por músicas e filmes... Ele faleceu em 19 de novembro de 2017, em decorrência de uma parada cardíaca e com câncer no cólon, aos 83 anos.

Matéria originalmente publicada no Whiplash!

Quando os grandes nomes do rock resolvem se arriscar em estilos diferentes

Ao longo da história do rock, podemos perceber que alguns dos seus grandes nomes tentam se aventurar em outros estilos diferentes daqueles que os consagraram. Talvez por vontade de tentar algo novo. Quem sabe para tentar agradar críticos. Ou, ainda, para tentar ganhar mais dinheiro por conta de uma nova tendência que esteja na moda. Algumas vezes, tais investidas são muito bem sucedidas, como acontecia sempre com David Bowie, que soube se dar bem e, ao mesmo tempo, fazer boas músicas em todos os gêneros que gravou (aliás, a constante mudança era parte de seu próprio estilo). Mas nem tudo são flores...

Fazendo um grande retrospecto, voltando lá nas origens do bom e velho rock and roll, temos como maior exemplo positivo o caso dos Beatles. Do início, como banda de composições simples da época do “iê-iê-iê”, o quarteto foi transformando seu estilo tão rapidamente que nem parece que tudo aconteceu em menos de dez anos. Basta comparar os primeiros álbuns, como “Please, Please Me” e “With The Beatles”, com algum de seus últimos anos, seja “Sgt. Pepper’s” ou “Abbey Road”, por exemplo. Não houve apenas mudança, como também melhora, evolução.

Outro caso positivo, onde novas influências foram usadas sem necessariamente fazer música ruim ou se vender ao mercado, foi o que ocorreu com o Rush. Nos anos 1970, começou com um rockão básico, foi evoluindo para o lado do progressivo, com composições trabalhadíssimas e nos anos 1980, a partir de “Signals”, gradativamente foi tendo seu estilo influenciado pela sonoridade “new wave”. Aí vieram os anos 1990 e a distorção voltou ao som da banda, assim como a velha pegada rockeira. Pode ser citado também o Aerosmith. Na faixa “Kings and Queens”, do álbum “Draw The Line”, a banda flerta descaradamente com o rock progressivo. E o resultado final foi excelente, uma ótima música. Mais recentemente, em “Just Push Play”, temos alguns toques modernos, de samplers e até mesmo de rock industrial (como em “Beyond Beutiful”). Bem que podiam ter se arriscado mais vezes...

O Queen também é um exemplo de banda que sempre buscou tocar estilos diversos. Na maioria das vezes se deu bem. Fez de tudo, desde música de cabaré (“Seaside Rendesvouz”, “Bring Back That Leroy Brown”) até heavy metal (“Stone Cold Crazy”), rock progressivo (“The Prophet’s Song”), toques de erudito (“The Millionaire Waltz”), ecos de punk (“Sheer Heart Attack”), black music (“Another One Bites The Dust”) e um pouco de várias coisas na lendária “Bohemian Rhapsody”. Porém, quando resolveu tentar fazer disco music... O resultado pode ser conferido no péssimo lado A (sim, estávamos nos tempos do vinil) do álbum “Hot Space”.

A discoteca... Ah, a “maldita” música disco... grande responsável por vários “burros n’água” na história do rock... Quem não se lembra dos Rolling Stones com “I Miss You”, Rod Stewart com “Do You Think I’m Sexy”, ou o Kiss com “I Was Made For Lovin’ You”? Podiam até ser canções divertidas e terem obtido sucesso, mas não chegam nem aos pés, em termos de qualidade, do que eram eles realmente capazes de compor.

O Kiss, aliás, foi uma banda que se aventurou bastante em estilos diferentes do hard rock festivo que sempre os caracterizou. Houve o citado flerte com a discoteca. Depois, tentaram virar pop com o fraquíssimo “Unmasked”. Em seguida, veio “(Music From) The Elder”, um ótimo disco com influências de progressivo, mas que foi execrado por fãs e críticos. Aventuraram-se ainda, anos depois, em algum ponto entre o “grunge” e a psicodelia no também excelente “Carnival of Souls”, disco que foi deixado de lado para se reunirem com a formação clássica (e só foi lançando oficialmente bem depois, por conta dos prejuízos que estavam tendo – ou a falta de lucros – com o sucesso de vendas de suas cópias piratas).

Afinal, existe alguém dentro de uma banda que possa ser apontado como o grande responsável por essas tais mudanças? A mídia e os fãs muitas vezes escolhem, erradamente, seus bodes expiatórios. Como no caso do Genesis, que sempre teve entre seus fãs mais radicais Phil Collins como o grande “vilão”. Mas através dos documentários lançados por eles, podemos perceber por declarações do tecladista Tony Banks e dos demais que não foi bem assim. Com as saídas de Peter Gabriel e Steve Hackett, aos poucos eles foram deixando de lado o som intrincado do rock progressivo e flertando cada vez mais com o pop, com as baladas e tudo mais.

Vale ressaltar que os artistas gostam de demonstrar que vivem dentro de uma democracia em seus grupos e todas as decisões são tomadas por todos. Será que é sempre assim? Após assistir ao documentário “Some Kind Of Monster”, não fica a nítida impressão (confirmação?) de que quem manda no Metallica são mesmo Lars Ulrich e James Hetfield? O Metallica, alías, foi outro nome criticado intensamente durante muito tempo por seu abandono do thrash metal e flerte com o mainstream, em especial na “fase dos cabelos curtos” de “Load” e “Reload”. Isso sem falar no controverso “St. Anger”, o famoso álbum sem solos de guitarra, com bateria mal gravada. Tem ainda o Helloween, comandado a mãos de ferro pelo guitarrista Michael Weikath, que passou por momentos difíceis e crises internas nos últimos dias em que tinham Michael Kiske como frontman, resultando em discos muito bons, mas irregulares e massacrados pelos seus seguidores, como “Pink Bubbles Go Ape” e “Chameleon”.

Por fim, há de se citar o U2 e o Scorpions. No primeiro caso, a megalomania em que os irlandeses se encontravam na década de 1990, em decorrência do sucesso do antológico “Achtung Baby” e de sua turnê, a “Zoo TV”, levaram-nos a continuar com suas experimentações, mas os resultados foram o mediano “Zooropa” e o fraco “Pop”. Já no caso dos alemães, a grande decepção veio com o péssimo “Eye II Eye”. “O que diabos era aquilo?” muitos fãs devem ter se perguntado, diante de um álbum com batidas eletrônicas e levadas excessivamente pop. Nem parecia a mesma banda que outrora havia lançado registros antológicos, como “Lovedrive” e “Blackout”. Em ambos os casos, passada a “ressaca”, veio a volta por cima, com a retomada de seus estilos tradicionais.

Cabe agora a opinião do leitor: tais mudanças fazem bem ou não aos nossos artistas favoritos? Devemos aplaudir as tais mudanças de ares, em buscas de novas inspirações? Sejam boas ou ruins, tais tentativas devem ser respeitadas. Afinal, nem todo mundo consegue se manter muito tempo invariavelmente dentro de um estilo com sucesso, sem virarem clichês de si próprios. As exceções? AC/DC, Motörhead, Oasis, Iron Maiden... Chova ou faça sol, continuaram sempre os mesmos, os fãs sabendo sempre o que esperar a cada novo lançamento, e a qualidade até variando, mas não chegando jamais a descontentar profundamente...

Matéria originalmente publicada no site Whitplash!