Grandes designers do rock: Storm Thorgerson

Quem acompanha música desde os tempos dos álbuns físicos, seja em LP ou em CD, antes dos tempos de internet, MP3 e streaming, com certeza costumava se conectar não apenas com a música em si, mas também com o trabalho gráfico que acompanhava um disco – capa, fotos, encartes, etc... E alguns grandes artistas gráficos do século XX realizavam verdadeiras obras de artes sob encomenda dos artistas para servirem de capa para seus trabalhos. No blog iremos revisitar alguns destes grandes nomes, começando por aquele que talvez tenha sido o maior deles.

Storm Elvin Thorgerson nasceu em Potters Bar, na Inglaterra, no dia 28 de fevereiro de 1944. Foi contemporâneo de escola de Syd Barrett e Roger Waters em Cambridge – Syd era um ano mais novo e Roger um ano mais velho. Embora ele e Roger fossem companheiros de rugby e suas mães amigas muito próximas, um outro membro do Pink Floyd é quem foi seu grande amigo na adolescência: David Gilmour (de quem futuramente Storm viria a ser padrinho de casamento).

Embora tenha sido sempre muito ligado a música, Storm seguiu carreira nas artes gráficas, e fundou no final da década de 1960 o estúdio Hipnogsis junto a Aubrey Powell. A dupla seria acompanhada posteriormente por Peter Christopherson (que anos mais tarde se tornaria um requisitado diretor de vídeo clipes). O estúdio durou até 1982 e juntos eles criaram algumas das capas mais antológicas da história da música, trabalhando para nomes como Paul McCartney (todos os álbuns dos Wings a partir de “Band On The Run”, além de seu solo “Tug Of War”), Led Zeppelin (“Houses Of The Holy”, “Presence”, “In Through The Out Door”), Genesis (“The Lamb Lies Down On Broadway”, “A Trick Of The Tail”, “Wind and Wuthering”), Peter Gabriel (os três primeiros álbuns), Scorpions (“Lovedrive”, “Animal Magnetism”), UFO ("Phenomenom"), AC/DC (“Dirty Deeds Done Dirt Cheap”), Black Sabbath (“Technical Ecstasy”, “Never Say Die”), Def Leppard (“High ‘N’ Dry”) e, obviamente, os amigos do Pink Floyd, para quem criaram praticamente todas as capas de seus álbuns desde “A Saucerful Of Secrets” até “Animals”. E muitos outros grandes nomes.

Com o fim da parceria e o fechamento do estúdio, Storm seguiu trabalhando com seus amigos do Floyd (de “A Momentary Lapse Of Reason” em diante), e fez ainda artes antológicas para, por exemplo, o Audioslave (seu primeiro álbum), Helloween (“Pink Bubbles Go Ape”), Muse (“Absolution” e “Black Holes and Revelations”), The Cult (“Electric”), Dream Theater (“Falling Into Infinity”), Rival Sons (“Pressure and Time”), além de Megadeth (“Rude Awakening”), Cranberries (“Wake Up and Smell The Coffee”), Bruce Dickinson (“Skunkworks”) e muitos mais.

Storm ainda se aventurou como diretor de vídeo clipes, tendo realizado “Owner Of a Lonely Heart” do Yes, “Tattooed Millionaire” e “All The Young Dudes” com Bruce Dickinson, “Kids Of The Century” do Helloween, “High Hopes”, do Pink Floyd, “Street Of Dreams”, do Rainbow, e alguns outros mais. Em 2003, sofreu um AVC, que lhe diminuiu a capacidade de trabalho, mas não o deteve. Storm veio a falecer em 18 de abril de 2013 de câncer (não foi divulgado qual o tipo). David Gilmour lamentou a morte do amigo, descrevendo-o como uma força constante em sua vida, tanto profissional quanto pessoalmente.

Recentemente houve uma mostra de alguns originais de seus trabalhos no MoMA (Museu de Arte Moderna de Nova York) e outra no The Browse Gallery, em Berlim. Já imaginou ver tantas obras que fazem parte de nosso imaginário coletivo musical e visual reunidas em um museu?

Seguem algumas das imagens mais icônicas produzidas por ele:

1976: grandes álbuns lançados naquele ano

Aproveitando o recente relançamento do histórico álbum de Paul McCartney and The Wings "Wings Over America", de 1976, este blogueiro vem humildemente listar algumas sugestões de grandes álbuns lançados também em 1976 - em ordem aleatória, não de preferência ou cronológica. Por quê? Poderia dizer que o rock estava em seu auge, que a oferta era muito boa no período, mas não... Na verdade é pelo fato de ter sido o ano em que nasci... 

A maioria deles é tida como clássicos pelos fãs dos artistas envolvidos e são conhecidos do grande público, mas mesmo para estes, sempre "vale a pena ouvir de novo".

Paul McCartney and Wings - Wings Over America

Por que ouvir? - Sir Paul provou que havia vida após os Beatles, superou a depressão do rompimento do grupo, lançou álbuns clássicos ("McCartney", "Band On The Run") e saiu fazendo shows pelo mundo afora. O registro da turnê de 1976 (de "Wings At The Speed Of Sound", daquele mesmo ano) mostra uma banda extremamente entrosada, executando uma grande leva de canções clássicas tanto dos Fab Four quanto dos álbuns solos de Paul e dos gravados com os Wings. Impossível não gostar. Ah, e se puder, corra atrás do vídeo "Rockshow", relançado poucos anos atrás em DVD e Blu-ray, com um show completo e espetacular desta mesma tour.

Melhores momentos: dentre muitos, a antológica abertura com "Venus and Mars/Rockshow" e "Jet", o set acústico com "Bluebird", "I've Just Seen a Face", "Blackbird" e "Yesterday", além das clássicas "Maybe I'm Amazed", "Live and Let Die" e "Band On The Run".

Queen - A Day at the Races

Por que ouvir? - Se não é o melhor trabalho do Queen, é um registro da fase áurea do grupo, ainda esbanjando criatividade e com aquele ímpeto e arrogância de querer dominar o mundo. Assim como em seu trabalho anterior ("A Night At The Opera" - guardadas as devidas proporções, claro), o quarteto faz de tudo um pouco: hard rock, gospel, baladas, valsa, etc.

Melhores momentos: o rockão rasgado de "Tie Your Mother Down", a intrincada "The Millionaire Waltz", a singela "Long Away", o peso de "White Man" e a mais do que clássica "Somebody To Love".

Rush - "2112" e "All The World's a Stage"

 

Por que ouvir? - Poderíamos simplesmente dizer "porque é o Rush, cara!", mas não é só isso: é o Rush explodindo e aparecendo para o mundo, saindo do underground e caminhando rumo ao estrelato. "2112" foi responsável por isso, introduzindo de vez o Rush entre os fãs de hard rock e de rock progressivo, e "All The World's a Stage" era o retrato ao vivo desta fase, demonstrando que aqueles três rapazes do Canadá conseguiam sim reproduzir ao vivo tudo o que criavam em estúdio.

Melhores momentos: Em "2112", além da faixa título, "A Passage to Bangkok" rapidamente se tornou uma das favoritas entre os rushmaníacos. Já em "All The World's a Stage", impossível não se render a "Bastille Day", que abre o play arrebentando tudo, a apoteótica "By-Tor and The Snow Dog", a pesadona "What You're Doing"... e claro, "2112" e ainda o solo do Professor Neil Peart.

Aerosmith - "Rocks"

Por que ouvir? - O Aerosmith disputava com o Kiss na década de 1970 o título de maior banda do hard rock norte-americano, tendo ambas estourado um ano antes - estes com "Toys In the Attic", aqueles com "Alive!". Aqui o quinteto de Boston alia sua criatividade com peso, sem perder a energia característica do grupo, sendo tratado pelos críticos como "uma cria raivosa dos Rolling Stones". "Rocks" disputa até hoje com "Toys In The Attic" o posto de álbum favorito entre os fãs das antigas. Se duvida, pergunte ao Slash...

Melhores momentos: "Back In The Saddle", com Joe Perry com um baixo de 6 cordas "grunhindo" em suas mãos; a velocidade contagiante de "Rats In The Cellar"; "Last Child", grande contribuição de Brad Whitford, assim como a pesada "Nobody's Fault".

Kiss - "Destroyer" e "Rock And Roll Over"

 

Por que ouvir? - São duas facetas bem distintas de uma banda no topo do mundo. O Kiss ganhou exposição mundial com "Alive!" um ano antes, e agora podia contar com dinheiro e bons recursos em suas gravações. Se em "Destroyer" trouxeram Bob Ezrin (Alice Cooper, Pink Floyd) para uma produção mais elaborada, aventurado-se por estilos diversos e até mesmo incompreendidos por muitos fãs, em "Rock and Roll Over", lançado no mesmo ano, víamos o Kiss voltando às origens de seu rock básico e direto, sendo produzidos por Eddie Kramer, muito conhecido por trabalhar com um certo Jimi Hendrix.

Melhores momentos: são dois discos para serem ouvidos "de cabo a rabo" (apesar de "Beth"), mas se é pra destacar algumas, em "Destroyer" ficamos com as óbvias "Detroit Rock City", "King Of The Night Time World", "God Of Thunder", "Shout It Out Loud" e "Do You Love Me", e em "Rock and Roll Over" temos "I Want You", "Makin' Love", "Hard Luck Woman", "Calling Dr. Love", "Take Me", "Ladies Room"...

Genesis - "A Trick Of The Tail"

Por que ouvir? - Porque registra um momento crítico na carreira do grupo, sobrevivendo de maneira brilhante à saída repentina de seu carismático frontman Peter Gabriel, "promovendo" o baterista Phil Collins ao posto. Ou seja: mesmo com o baque, a qualidade do trabalho do agora quarteto foi mantida, com excelentes temas, arranjos virtuosos e uma produção esmerada, em um dos melhores registros do Genesis.

Melhores momentos: a insana faixa de abertura "Dance On a Volcano"; a melodiosa faixa título; "Mad Man Moon", com um inspiradíssimo Tony Banks nos teclados, e a fantástica instrumental "Los Endos", que ao vivo era precedida sempre de um dueto de bateria por Phil Collins e Chester Thompson.

Thin Lizzy - "Jailbreak" e "Johnny The Fox"

 

Por que ouvir? - O Thin Lizzy infelizmente nunca foi tão reconhecido como deveria. Donos de grandes músicas, temperadas com as famosas "guitarras gêmeas" que fariam escola no heavy metal anos depois, e contando ainda com um letrista fantástico como Phil Lynott, o Lizzy atingiu seu ápice em 1976, e os dois álbuns lançados naquele ano comprovam a qualidade de seu trabalho. Saindo em uma grande turnê norte-americana no ano seguinte, Lynott adoeceu, a excursão foi abortada, e o Lizzy caiu em esquecimento para a grande massa, infelizmente...

Melhores momentos: em "Jailbreak", destacamos a faixa título com seu clima soturno, a pesada "Emerald", o hino "The Boys Are Back In Town", seu maior hit; já em "Johnny The Fox", a poética "Don't Believe a Word" merece audição cuidadosa, assim como a pesada "Massacre" (as duas regravadas, respectivamente, por Def Leppard e Iron Maiden"), além da funkeada "Johnny The Fox Meets Jimmy The Weed" (impossível não notar a semelhança de seus primeiros acordes de guitarra com "Snowblind", do disco solo de 1978 de Ace Frehley, do Kiss).

Led Zeppelin - "Presence" e "The Song Remains The Same"

 

Por que ouvir? - Bem, muitos realmente podem contestar a inclusão de "Presence" nesta lista, por não ser um dos melhores trabalhos do Led. Mas ainda assim, encontramos momentos brilhantes, e convenhamos, um Led Zeppelin menor ainda é maior do que muita coisa que ouvimos por aí. Já "The Song Remains The Same" dispensa maiores apresentações e justificativas: o primeiro duplo ao vivo do grupo, que acompanhou o lançamento do filme nos cinemas (ambos gravados em 1973, mas só lançados então).

Melhores momentos: em "Presence" são obrigatórias a galopante "Achilles Last Stand" e a ótima "Nobody's Fault But Mine", além de "For Your Life". Já em "The Song Remains The Same", os clássicos atemporais "Rock and Roll", "Stairway to Heaven" e "Whole Lotta Love" dividem espaço com as (extremamente) estendidas versões de "No Quarter" e "Dazed and Confused" (que ocupava um lado inteiro no vinil). Na versão expandida lançada recentemente, os fãs ainda ganharam registros do quilate de "The Ocean", "Since I've Been Lovin' You", "Over The Hills and Far Away" e "Black Dog".

Peter Frampton - "Frampton Comes Alive"

Por que ouvir? - O simples argumento de ser o disco ao vivo mais vendido de todos os tempos já valeria pelo menos para ouvir de curiosidade (na época, chegou até a ser vendido pelos correios nos EUA, uma novidade!). Mas seria subestimar um grande trabalho, com Peter Frampton desfilando ótimas músicas e belos solos de guitarra.

Melhores momentos: mesmo que você não suporte mais ouvir, "Baby I Love Your Way" é um dos maiores destaques, assim como a contagiante "Show Me The Way". Destaque também para a abertura com "Something's Happening" e para a surpreendente versão de "Jumpin' Jack Flash", dos Stones.

Rainbow - "Rising"

Por que ouvir? - Em 1976, o Deep Purple não existia mais: após a debandada de Richie Blackmore, muitas divergências internas levaram Jon Lord a jogar a toalha após a turnê de "Come Taste The Band", e logo em seguida o guitarrista Tommy Bolin veio a falecer de overdose. O novo grupo de Blackmore, que já tinha obtido reconhecimento com o primeiro álbum um ano antes, aqui presenteia os fãs com uma obra-prima do rock pesado. Todos dão um show, seja o mago das guitarras, seja Ronnie James Dio com seu vocal poderoso, seja Cozy Powell demolindo sua bateria. Para muitos, foi o primeiro pilar do chamado Power Metal, com suas músicas velozes e arranjos sinfônicos.

Melhores momentos: A abertura com "Tarot Woman" já é de tirar o fôlego, que ainda consegue ser ofuscada pelas brilhantes "Stargazer", gravada junto à Orquestra Filarmônica de Munique (e com performances antológicas de Dio, Powell e Blackmore), e pela veloz "A Light In The Black", com seus solos dobrados de guitarra e teclado e com sua bateria de dois bumbos, que se tornariam clichê décadas depois no heavy melódico...

Scorpions - "Virgin Killer"

Por que ouvir? - Para aqueles que acham que os "vovôs" do metal alemão são apenas a banda que fez "Still Loving You" e "Wind Of Change", que tal descobrir um grupo vigoroso, com canções esbanjando energia? "Virgin Killer" serviu de passaporte para o Scorpions fora da Europa, em uma época em que ainda contavam com os préstimos do virtuoso Uli John Roth. Não se atenha à polêmica sobre a capa original (que trazia uma garotinha nua), coloque o álbum pra tocar e aumente o som!

Melhores momentos: "Pictured Life" abrindo o disco a todo vapor, ritmo que é mantido em "Catch Your Train" (resgatada anos mais tarde no álbum acústico do grupo). Há ainda a divertida "Hell Cat", cantada por Roth, "Backstage Queen" e "Polar Nights".

AC/DC - "Dirty Deeds Done Dirt Cheap"

Por que ouvir? - Porque AC/DC é sinônimo de rock do bom, sem firulas, simples e direto. Foi aqui que os australianos começaram a aparecer para o mundo, conseguindo seus primeiros sucessos. E ainda tínhamos aqui a crueza original no som do grupo, além do saudoso e carismático Bon Scott nos microfones.

Melhores momentos: sem dúvida o grande destaque é a faixa título, ainda hoje uma das favoritas dos fãs. Mas ainda há "Squealer", "Problem Child", "Ride On"... e a versão original australiana trazia "Jailbreak" encerrando o play, faixa que até então havia sido lançada apenas como single.

Eagles - "Hotel California"

Por que ouvir? - Para derrubar o preconceito que a grande maioria da nação roqueira tem com o grupo, por conta da faixa título que tocou à exaustão, chegando inclusive a ser apelidada de "Motel California" por ser melosa demais para seus detratores. Um disco com boas músicas executadas por instrumentistas extremamente competentes.

Melhores momentos: obviamente a faixa título, com um show à parte dos guitarristas Don Felder e Joe Walsh; "Life In The Fast Lane", sobre a agitada vida de um casal moderno - cujo título veio de uma frase de um fornecedor de drogas do grupo, e cujo riff de guitarra surgiu espontaneamente enquanto Joe Walsh aquecia no estúdio, esperando para gravar; e ainda a épica "The Last Resort", versando sobre o declínio da sociedade e fechando o disco com chave de ouro.

Rory Gallagher - "Calling Card"

Por que ouvir? - O saudoso irlandês Rory Gallagher foi um dos melhores guitarristas da década de 1970. Sua pegada blues-rock com agressividade, técnica e feeling nas medidas exatas são louvadas até hoje por muitos guitar heroes, como Brian May e Slash. Como se não bastasse, o cara compunha e cantava maravilhosamente bem. "Calling Card" é sua obra-prima, um disco irretocável do começo ao fim, produzido por Roger Glover (sim, após sua saída do Deep Purple, ele se firmou como produtor). Ah sim, além de tudo o cara ainda esnobou um convite para se juntar aos Rolling Stones quando Mick Taylor - ele era a primeira opção antes de Ron Wood, por sugestão do próprio Keith Richards.

Melhores momentos: a roqueira "Moonchild", onde não fica devendo nada a Richie Blackmore, o blues da faixa-título, a lindíssima acústica "I'll Admit You're Gone", a viajante "Jack-Knife Beat"... tem para todos os gostos!

Rita Lee & Tutti Frutti - Entradas e Bandeiras

Por que ouvir? - Poderíamos simplesmente dizer "porque Rita Lee é o maior nome do rock brasileiro de todos os tempos" e já bastaria. Mas vamos mais além: se não é a obra-prima que foi "Fruto Proibido" (seu antecessor e talvez o melhor disco de rock já gravado no Brasil), "Entradas e Bandeiras" traz a simbiose entre Rita e a banda Tutti Frutti ainda rendendo bons frutos - a relação ficaria desgastada no próximo álbum, quando ela começou a se distanciar um pouco da pegada roqueira e também por conta de estar cada vez mais envolvida em trabalhar com seu marido Roberto  de Carvalho, o que a levou a partir de vez para sua carreira solo.

Melhores momentos: A abertura com "Corista de Rock" e sua letra bem bacana, a glam-rock "Superestafa" (em cujo vídeo promocional Rita está com um visual totalmente David Bowie) e a lindíssima "Coisas da Vida", uma das mais belas músicas já compostas por ela. Ah sim, não esqueçamos da divertida "Bruxa Amarela", composta pela dupla Raul Seixas e Paulo Coelho...

Estes são alguns dos grandes momentos do rock em 1976. E você leitor, sugere mais algum?

Matéria originalmente publicada no site Whiplash!, ora revista e atualizada.

Quando os grandes nomes do rock resolvem se arriscar em estilos diferentes

Ao longo da história do rock, podemos perceber que alguns dos seus grandes nomes tentam se aventurar em outros estilos diferentes daqueles que os consagraram. Talvez por vontade de tentar algo novo. Quem sabe para tentar agradar críticos. Ou, ainda, para tentar ganhar mais dinheiro por conta de uma nova tendência que esteja na moda. Algumas vezes, tais investidas são muito bem sucedidas, como acontecia sempre com David Bowie, que soube se dar bem e, ao mesmo tempo, fazer boas músicas em todos os gêneros que gravou (aliás, a constante mudança era parte de seu próprio estilo). Mas nem tudo são flores...

Fazendo um grande retrospecto, voltando lá nas origens do bom e velho rock and roll, temos como maior exemplo positivo o caso dos Beatles. Do início, como banda de composições simples da época do “iê-iê-iê”, o quarteto foi transformando seu estilo tão rapidamente que nem parece que tudo aconteceu em menos de dez anos. Basta comparar os primeiros álbuns, como “Please, Please Me” e “With The Beatles”, com algum de seus últimos anos, seja “Sgt. Pepper’s” ou “Abbey Road”, por exemplo. Não houve apenas mudança, como também melhora, evolução.

Outro caso positivo, onde novas influências foram usadas sem necessariamente fazer música ruim ou se vender ao mercado, foi o que ocorreu com o Rush. Nos anos 1970, começou com um rockão básico, foi evoluindo para o lado do progressivo, com composições trabalhadíssimas e nos anos 1980, a partir de “Signals”, gradativamente foi tendo seu estilo influenciado pela sonoridade “new wave”. Aí vieram os anos 1990 e a distorção voltou ao som da banda, assim como a velha pegada rockeira. Pode ser citado também o Aerosmith. Na faixa “Kings and Queens”, do álbum “Draw The Line”, a banda flerta descaradamente com o rock progressivo. E o resultado final foi excelente, uma ótima música. Mais recentemente, em “Just Push Play”, temos alguns toques modernos, de samplers e até mesmo de rock industrial (como em “Beyond Beutiful”). Bem que podiam ter se arriscado mais vezes...

O Queen também é um exemplo de banda que sempre buscou tocar estilos diversos. Na maioria das vezes se deu bem. Fez de tudo, desde música de cabaré (“Seaside Rendesvouz”, “Bring Back That Leroy Brown”) até heavy metal (“Stone Cold Crazy”), rock progressivo (“The Prophet’s Song”), toques de erudito (“The Millionaire Waltz”), ecos de punk (“Sheer Heart Attack”), black music (“Another One Bites The Dust”) e um pouco de várias coisas na lendária “Bohemian Rhapsody”. Porém, quando resolveu tentar fazer disco music... O resultado pode ser conferido no péssimo lado A (sim, estávamos nos tempos do vinil) do álbum “Hot Space”.

A discoteca... Ah, a “maldita” música disco... grande responsável por vários “burros n’água” na história do rock... Quem não se lembra dos Rolling Stones com “I Miss You”, Rod Stewart com “Do You Think I’m Sexy”, ou o Kiss com “I Was Made For Lovin’ You”? Podiam até ser canções divertidas e terem obtido sucesso, mas não chegam nem aos pés, em termos de qualidade, do que eram eles realmente capazes de compor.

O Kiss, aliás, foi uma banda que se aventurou bastante em estilos diferentes do hard rock festivo que sempre os caracterizou. Houve o citado flerte com a discoteca. Depois, tentaram virar pop com o fraquíssimo “Unmasked”. Em seguida, veio “(Music From) The Elder”, um ótimo disco com influências de progressivo, mas que foi execrado por fãs e críticos. Aventuraram-se ainda, anos depois, em algum ponto entre o “grunge” e a psicodelia no também excelente “Carnival of Souls”, disco que foi deixado de lado para se reunirem com a formação clássica (e só foi lançando oficialmente bem depois, por conta dos prejuízos que estavam tendo – ou a falta de lucros – com o sucesso de vendas de suas cópias piratas).

Afinal, existe alguém dentro de uma banda que possa ser apontado como o grande responsável por essas tais mudanças? A mídia e os fãs muitas vezes escolhem, erradamente, seus bodes expiatórios. Como no caso do Genesis, que sempre teve entre seus fãs mais radicais Phil Collins como o grande “vilão”. Mas através dos documentários lançados por eles, podemos perceber por declarações do tecladista Tony Banks e dos demais que não foi bem assim. Com as saídas de Peter Gabriel e Steve Hackett, aos poucos eles foram deixando de lado o som intrincado do rock progressivo e flertando cada vez mais com o pop, com as baladas e tudo mais.

Vale ressaltar que os artistas gostam de demonstrar que vivem dentro de uma democracia em seus grupos e todas as decisões são tomadas por todos. Será que é sempre assim? Após assistir ao documentário “Some Kind Of Monster”, não fica a nítida impressão (confirmação?) de que quem manda no Metallica são mesmo Lars Ulrich e James Hetfield? O Metallica, alías, foi outro nome criticado intensamente durante muito tempo por seu abandono do thrash metal e flerte com o mainstream, em especial na “fase dos cabelos curtos” de “Load” e “Reload”. Isso sem falar no controverso “St. Anger”, o famoso álbum sem solos de guitarra, com bateria mal gravada. Tem ainda o Helloween, comandado a mãos de ferro pelo guitarrista Michael Weikath, que passou por momentos difíceis e crises internas nos últimos dias em que tinham Michael Kiske como frontman, resultando em discos muito bons, mas irregulares e massacrados pelos seus seguidores, como “Pink Bubbles Go Ape” e “Chameleon”.

Por fim, há de se citar o U2 e o Scorpions. No primeiro caso, a megalomania em que os irlandeses se encontravam na década de 1990, em decorrência do sucesso do antológico “Achtung Baby” e de sua turnê, a “Zoo TV”, levaram-nos a continuar com suas experimentações, mas os resultados foram o mediano “Zooropa” e o fraco “Pop”. Já no caso dos alemães, a grande decepção veio com o péssimo “Eye II Eye”. “O que diabos era aquilo?” muitos fãs devem ter se perguntado, diante de um álbum com batidas eletrônicas e levadas excessivamente pop. Nem parecia a mesma banda que outrora havia lançado registros antológicos, como “Lovedrive” e “Blackout”. Em ambos os casos, passada a “ressaca”, veio a volta por cima, com a retomada de seus estilos tradicionais.

Cabe agora a opinião do leitor: tais mudanças fazem bem ou não aos nossos artistas favoritos? Devemos aplaudir as tais mudanças de ares, em buscas de novas inspirações? Sejam boas ou ruins, tais tentativas devem ser respeitadas. Afinal, nem todo mundo consegue se manter muito tempo invariavelmente dentro de um estilo com sucesso, sem virarem clichês de si próprios. As exceções? AC/DC, Motörhead, Oasis, Iron Maiden... Chova ou faça sol, continuaram sempre os mesmos, os fãs sabendo sempre o que esperar a cada novo lançamento, e a qualidade até variando, mas não chegando jamais a descontentar profundamente...

Matéria originalmente publicada no site Whitplash!

Monsters of Rock: o lendário primeiro festival de Castle Donington em 1980

Festivais de rock sempre foram garantia de sucesso de público. Desde o longínquo e histórico Woodstock, em 1969, passando por vários outros como o California Jam, de 1974 (que reuniu Deep Purple, Black Sabbath, Eagles, entre outros), Texas Jam em 1978 (com Aerosmith e Ted Nugent), os Estados Unidos deixavam o resto do mundo com inveja com seus line-ups estrelados, arrecadando muito dinheiro com tais concertos. Ainda na década de 1970, aqui mesmo no Brasil houve o primeiro Hollywood Rock, encabeçado por Rita Lee, Raul Seixas e Erasmo Carlos, e a Inglaterra tinha como grandes exemplos os festivais de Reading e Knebworth (o de 1979, por exemplo, teve como grande trunfo o retorno do Led Zeppelin).

Em 1980, o heavy metal explodia com a “nova onda britânica” (“New Wave Of British Heavy Metal”), revelando ao mundo bandas como Iron Maiden, Saxon, Diamond Head, e dava nova projeção a nomes já conhecidos como Motörhead, Judas Priest e até mesmo o Black Sabbath, que ressurgia das cinzas com Ronnie James Dio nos vocais. Era o momento perfeito para a realização de um festival voltado ao público de música pesada, e dessa combinação surgia o Monsters Of Rock, disposto a rivalizar com o festival de Reading como o maior da Inglaterra – enquanto este abraçava outras vertentes do rock, o Monsters visava privilegiar o Hard Rock e o Metal.

Paul Loadsby foi o promotor de eventos responsável pelo concerto. Na verdade, ele já vinha trabalhando na turnê de verão do Rainbow, de Richie Blackmore, e o show no autódromo de Donington foi concebido para ser o encerramento daquela lucrativa excursão, onde o grupo do ex-Deep Purple promovia seu álbum “Down To Earth”, já sem Dio nos vocais, contando com Graham Bonnet no posto, além de outro músico oriundo do Purple, Roger Glover, no baixo, Don Airey nos teclados (que futuramente substituiria Jon Lord, também no Purple) e o saudoso Cozy Powell na bateria.

Um dos pontos que levaram os produtores a escolher o local foi o fato do terreno levemente inclinado no trecho indicado para a montagem do palco, o que proporcionaria a todos uma boa visão do palco. Outro fator positivo era o acesso fácil por meio rodoviário e ferroviário até o autódromo. Apesar de todos os protestos por conta dos moradores locais, com medo dos “arruaceiros cabeludos”, tudo foi arranjado a tempo para a realização do show.

Para atrair o grande público, Loadsby negociou apresentações de nomes de expressão no rock pesado, e o line-up da primeira edição do Monsters Of Rock contava com os alemães do Scorpions, o Judas Priest, e o recém revelado Saxon, além de April Wine, Touch, Riot. O aquecimento e apresentação das bandas ficaria por conta do DJ Neal Kaye, famoso por revelar o Iron Maiden, ao tocar exaustivamente suas demos na casa noturna Soundhouse (de onde originou o nome do primeiro E.P. do Maiden, “The Soundhouse Tapes”).

Embora houvesse chovido consideravelmente na semana que precedeu o show, um dia antes já era possível verificar vários fãs acampando do lado de fora do autódromo, tamanha a expectativa criada em torno do evento. O público oficial foi estimado em cerca de 35.000 pessoas, que foram agraciados com um dia sem chuvas (o que teria tornado o local um verdadeiro lamaçal), e performances calorosas de todas as atrações. Segundo relatos de algumas “testemunhas oculares” colhidos na internet, havia bem mais gente, e as instalações não eram lá grandes coisas, mas nada que prejudicasse o show em si.

Como nem tudo são flores, um ponto considerado negativo foi o fato de que havia apenas um palco para todas as atrações, o que resultava em intervalos extremamente longos entre uma banda e outra, cabendo ao DJ Neal Kaye e ao telão (uma novidade na época) distrair o público neste período – quando dava para enxergar alguma coisa, por conta da claridade e do sol.

Além do telão, uma outra grande atração tecnológica prometida era um revolucionário sistema de som quadrifônico que prometia um efeito surround no local e a diminuição do atraso de som para quem ficasse mais ao fundo da plateia. Porém, no dia anterior ao espetáculo, uma desagradável surpresa: durante a passagem de som da bateria de Cozy Powell, os roadies do Rainbow foram testar os fogos de artifício que encerrariam a noite e as explosões danificaram várias caixas de som. Um prejuízo de cerca de 18 mil libras para os realizadores, que tiveram que improvisar para reformar o som a tempo para o festival. Resultado: grande parte dos pagantes reclamando que o som ficou baixo demais (pecado mortal para um show de rock!).

Voltando às performances em si, os primeiros a se apresentar foram os americanos do Touch (cujo vocalista teria engolido um inseto acidentalmente no show), seguidos pelo Riot. A terceira banda, aquela que realmente começaria a incendiar a plateia, foi o Saxon, que encontrava-se bastante em destaque por conta do sucesso do álbum “Wheels Of Steel”. Segundo depoimentos, os pontos altos do show foram exatamente a faixa título deste disco e “747 – Strangers In The Night”.

Após uma esfriada nos ânimos com uma apresentação morna dos canadenses do April Wine, Donington pegaria fogo novamente com a entrada do Scorpions no palco, já bem conhecidos do público, recebendo até então a maior ovação por parte dos presentes, desde sua entrada no palco até o final de sua performance elogiadíssima. Porém, o melhor ainda estava por vir...

Após novo intervalo, foi a vez do Judas Priest alucinar o público, com Rob Halford fazendo sua tradicional entrada triunfal montando numa Harley Davidson, com um show embalado por temas de sucesso garantido e aproveitando a esteira de sucesso do recém-lançado “British Steel”, hoje tido como o maior clássico do quinteto. Halford foi ainda o primeiro a “cantar a pedra” de que o Monsters of Rock tinha tudo para se tornar um evento anual. Em seu repertório, clássicos do porte de “The Ripper”, “Green Manalishi”, “Living After Midnight”... o áudio do show foi lançado em versão bootleg de muito sucesso entre os fãs da banda.

Foto de Ross Halfin: Glenn Tipton (Judas Priest) com Joe Elliott (Def Leppard) e Michael Schenker

Finalizando a grande noite, era a vez da atração principal entrar no palco, e o Rainbow fez bonito. O grupo liderado por Richie Blackmore fez um show alucinante, encerrando a bem sucedida turnê do álbum “Down To Earth”, que mostrava a banda pendendo para um lado mais comercial do que em sua fase Dio – o principal motivo da saída do baterista Cozy Powell teria sido justamente essa mudança sonora. Pegando carona nos hits “All Night Long” (tocada após a introdução de “Lazy”, do Deep Purple) e “Since You’ve Been Gone”, além da ótima “Eyes Of The World”, o grupo ainda encaixou no set list as clássicas “Long Live Rock and Roll”, “Kill The King” e a épica “Stargazer”, que não aparecia em seus shows havia um bom tempo. Encerrando tudo, uma grande queima de fogos de artifício no melhor estilo dos grandes festivais.

Com os ingressos custando antecipadamente 7,50 libras (no dia custava 8,50), somando-se o total de pagantes (abaixo do esperado) e descontando-se os gastos (esperados e inesperados), a primeira edição do Monsters Of Rock acabou gerando um pequeno prejuízo aos seus realizadores. Mas nada que os desanimassem, pois foi um começo bastante promissor. Tanto é que o evento seguiu sendo realizado por dezesseis anos consecutivos, sendo sua última edição a de 1996, cujos headliners foram o Kiss, então em sua turnê de reunião da formação clássica, e o velho madman Ozzy Osbourne. Foi também neste show que o Sepultura se apresentou como um trio, pois Max Cavalera teve de se dirigir aos Estados Unidos às pressas, devido à morte de seu enteado Dana.

Vale ainda lembrar que o show do Rainbow foi gravado, tendo sido lançado há poucos anos oficialmente em CD e DVD com os trechos que foram filmados. Uma preciosidade para colecionadores!

Outra raridade é a coletânea chamada “Castle Donington”, lançada na época, contendo pelo menos uma música de cada grupo que se apresentou no festival. Anos depois, o LP foi reeditado em CD no Japão. A bolacha continha as seguintes faixas:

1. Stargazer - Rainbow 8:20

2. Loving You Sunday Morning - Scorpions 5:22

3. Another Piece of Meat - Scorpions 5:06

4. Backs To The Wall - Saxon 3:48

5. All Night Along - Rainbow 7:53

6. I Like To Rock - April Wine 4:16

7. Don't Ya Know What Love Is? - Touch 3:58

8. Road Racing - Riot 7:34

Acontecimento aguardado com enorme ansiedade por headbangers do mundo inteiro, o Monsters Of Rock se tornou uma espécie de franquia, sendo reeditado em vários países ao redor do mundo: Alemanha, Itália, Bélgica, Holanda, Rússia, chegando até mesmo à América do Sul, com festivais no Brasil, na Argentina e no Chile. Sua encarnação original porém, como citado acima, deixou de existir após 1996, época em que o interesse da indústria musical pelos sons mais pesados diminuiu drasticamente. Dentre os nomes que se apresentaram nestes dezesseis anos em Donington temos, além das bandas citadas na matéria, AC/DC, Iron Maiden, Whitesnake, ZZ Top, Van Halen, Megadeth, Guns N’ Roses, Aerosmith, David Lee Roth, Extreme, Slayer, Skid Row, Dio, e muitos outros. Vários deles lançaram inclusive registros oficiais em áudio e vídeo de suas apresentações.

Após sete anos de jejum, em 2003 Donington Park ganhou um novo festival em suas dependência, o Download Festival, contendo um número muito maior e mais eclético de bandas, sendo divididas em mais de uma noite. Na sua primeira edição, o Download teve como atração principal, em uma das noites, o Iron Maiden, velho conhecido do Monsters (na outra noite, a honra coube ao Audioslave). Um grande festival sem dúvidas, mas que jamais substituirá o velho Monsters...

Para maiores detalhes sobre esta e outras edições do Monsters Of Rock, bem como de outros festivais realizados na Inglaterra, uma grande pedida é o site – em inglês – UK Festivals, o qual foi a maior fonte desta matéria.

Matéria originalmente publicada no site Whiplash!, ora atualizada