Grandes designers do rock: Hugh Syme

Dando continuidade no resgate dos grandes artistas visuais que nos agraciaram com grandes projetos gráficos para capas de grandes nomes do rock, desta vez vamos falar sobre o canadense Hugh Syme.

Se o trabalho de Storm Thorgerson (de quem falamos anteriormente) acompanhou quase toda a discografia do Pink Floyd, no caso de Hugh Syme podemos dizer que a sua carreira se confunde com a do Rush. Syme foi responsável por todas as capas de discos do trio canadense desde “Caress Of Steel”, de 1975. A proximidade e a intimidade com eles é tão grande que ele chegou a participar como tecladista em algumas faixas do grupo: é dele a famosa introdução feita nos sintetizadores na clássica “2112”, assim como o piano de “Different Strings” (do álbum “Permanent Waves”) e alguns teclados em “Witch Hunt” (de “Moving Pictures”).

Aliás, seu trabalho com o Rush também lhe rendeu diversas indicações e algumas vitórias do prêmios Juno (prêmio mais famoso da música no Canadá): Syme ganhou o prêmio pelas capas de “Moving Pictures”, “Power Windows”, “Presto” e “Roll The Bones”, além de levar também pelo álbum “Levity” do cantor Ian Thomas. Ainda sobre sua parceria com o Rush, Syme revelou em uma entrevista em 1983 que jamais imaginaria que a banda utilizaria seu logotipo do homem estelar (“Starman Logo”) de “2112”, algo que o deixou surpreso.

Outros trabalhos notáveis do artista são as capas feitas para o Whitesnake (“Whitesnake” e “Slip Of The Tongue”), Megadeth (“Countdown to Extinction”, “Youthanasia” e “Cryptic Writings”), Dream Theater (“Octavarium”, “Systematic Chaos” e “Dream Theater”) Bon Jovi (“New Jersey”), Fates Warning (“Perfect Symmetry”, “Parallels” e “Inside Out”), Slaughter (“Stick It To Ya”), Warrant (“Cherry Pie”), Kiss (“Revenge”), Aerosmith (“Get a Grip”), Def Leppard (“Retro Active”), Queensrÿche (“Promised Land” e “Hear In The New Frontier”), Iron Maiden (“The X Factor”), Alice Cooper (“A Fistful of Alice”) e Flying Colors (“Second Nature”), além de muitos outros...

Syme estudou artes na New School of Art, de Toronto e na Universidade de York, na Inglaterra. Além das capas de álbuns que o fizeram famoso, ele também criou as capas dos livros escritos por Neil Peart (“Masked Rider” e “Ghost Rider”), e atua também em peças publicitárias, já tendo prestado serviços para empresas como Xerox, Virgin, Panasonic, Geffen, Universal Studios, Microsoft, Sony, Disney, Warner e muitas outras mais, confirmando que seu trabalho diferenciado continua reconhecido nas mais diversas áreas...

Seguem algumas das capas extraordinárias criadas por ele:

1976: grandes álbuns lançados naquele ano

Aproveitando o recente relançamento do histórico álbum de Paul McCartney and The Wings "Wings Over America", de 1976, este blogueiro vem humildemente listar algumas sugestões de grandes álbuns lançados também em 1976 - em ordem aleatória, não de preferência ou cronológica. Por quê? Poderia dizer que o rock estava em seu auge, que a oferta era muito boa no período, mas não... Na verdade é pelo fato de ter sido o ano em que nasci... 

A maioria deles é tida como clássicos pelos fãs dos artistas envolvidos e são conhecidos do grande público, mas mesmo para estes, sempre "vale a pena ouvir de novo".

Paul McCartney and Wings - Wings Over America

Por que ouvir? - Sir Paul provou que havia vida após os Beatles, superou a depressão do rompimento do grupo, lançou álbuns clássicos ("McCartney", "Band On The Run") e saiu fazendo shows pelo mundo afora. O registro da turnê de 1976 (de "Wings At The Speed Of Sound", daquele mesmo ano) mostra uma banda extremamente entrosada, executando uma grande leva de canções clássicas tanto dos Fab Four quanto dos álbuns solos de Paul e dos gravados com os Wings. Impossível não gostar. Ah, e se puder, corra atrás do vídeo "Rockshow", relançado poucos anos atrás em DVD e Blu-ray, com um show completo e espetacular desta mesma tour.

Melhores momentos: dentre muitos, a antológica abertura com "Venus and Mars/Rockshow" e "Jet", o set acústico com "Bluebird", "I've Just Seen a Face", "Blackbird" e "Yesterday", além das clássicas "Maybe I'm Amazed", "Live and Let Die" e "Band On The Run".

Queen - A Day at the Races

Por que ouvir? - Se não é o melhor trabalho do Queen, é um registro da fase áurea do grupo, ainda esbanjando criatividade e com aquele ímpeto e arrogância de querer dominar o mundo. Assim como em seu trabalho anterior ("A Night At The Opera" - guardadas as devidas proporções, claro), o quarteto faz de tudo um pouco: hard rock, gospel, baladas, valsa, etc.

Melhores momentos: o rockão rasgado de "Tie Your Mother Down", a intrincada "The Millionaire Waltz", a singela "Long Away", o peso de "White Man" e a mais do que clássica "Somebody To Love".

Rush - "2112" e "All The World's a Stage"

 

Por que ouvir? - Poderíamos simplesmente dizer "porque é o Rush, cara!", mas não é só isso: é o Rush explodindo e aparecendo para o mundo, saindo do underground e caminhando rumo ao estrelato. "2112" foi responsável por isso, introduzindo de vez o Rush entre os fãs de hard rock e de rock progressivo, e "All The World's a Stage" era o retrato ao vivo desta fase, demonstrando que aqueles três rapazes do Canadá conseguiam sim reproduzir ao vivo tudo o que criavam em estúdio.

Melhores momentos: Em "2112", além da faixa título, "A Passage to Bangkok" rapidamente se tornou uma das favoritas entre os rushmaníacos. Já em "All The World's a Stage", impossível não se render a "Bastille Day", que abre o play arrebentando tudo, a apoteótica "By-Tor and The Snow Dog", a pesadona "What You're Doing"... e claro, "2112" e ainda o solo do Professor Neil Peart.

Aerosmith - "Rocks"

Por que ouvir? - O Aerosmith disputava com o Kiss na década de 1970 o título de maior banda do hard rock norte-americano, tendo ambas estourado um ano antes - estes com "Toys In the Attic", aqueles com "Alive!". Aqui o quinteto de Boston alia sua criatividade com peso, sem perder a energia característica do grupo, sendo tratado pelos críticos como "uma cria raivosa dos Rolling Stones". "Rocks" disputa até hoje com "Toys In The Attic" o posto de álbum favorito entre os fãs das antigas. Se duvida, pergunte ao Slash...

Melhores momentos: "Back In The Saddle", com Joe Perry com um baixo de 6 cordas "grunhindo" em suas mãos; a velocidade contagiante de "Rats In The Cellar"; "Last Child", grande contribuição de Brad Whitford, assim como a pesada "Nobody's Fault".

Kiss - "Destroyer" e "Rock And Roll Over"

 

Por que ouvir? - São duas facetas bem distintas de uma banda no topo do mundo. O Kiss ganhou exposição mundial com "Alive!" um ano antes, e agora podia contar com dinheiro e bons recursos em suas gravações. Se em "Destroyer" trouxeram Bob Ezrin (Alice Cooper, Pink Floyd) para uma produção mais elaborada, aventurado-se por estilos diversos e até mesmo incompreendidos por muitos fãs, em "Rock and Roll Over", lançado no mesmo ano, víamos o Kiss voltando às origens de seu rock básico e direto, sendo produzidos por Eddie Kramer, muito conhecido por trabalhar com um certo Jimi Hendrix.

Melhores momentos: são dois discos para serem ouvidos "de cabo a rabo" (apesar de "Beth"), mas se é pra destacar algumas, em "Destroyer" ficamos com as óbvias "Detroit Rock City", "King Of The Night Time World", "God Of Thunder", "Shout It Out Loud" e "Do You Love Me", e em "Rock and Roll Over" temos "I Want You", "Makin' Love", "Hard Luck Woman", "Calling Dr. Love", "Take Me", "Ladies Room"...

Genesis - "A Trick Of The Tail"

Por que ouvir? - Porque registra um momento crítico na carreira do grupo, sobrevivendo de maneira brilhante à saída repentina de seu carismático frontman Peter Gabriel, "promovendo" o baterista Phil Collins ao posto. Ou seja: mesmo com o baque, a qualidade do trabalho do agora quarteto foi mantida, com excelentes temas, arranjos virtuosos e uma produção esmerada, em um dos melhores registros do Genesis.

Melhores momentos: a insana faixa de abertura "Dance On a Volcano"; a melodiosa faixa título; "Mad Man Moon", com um inspiradíssimo Tony Banks nos teclados, e a fantástica instrumental "Los Endos", que ao vivo era precedida sempre de um dueto de bateria por Phil Collins e Chester Thompson.

Thin Lizzy - "Jailbreak" e "Johnny The Fox"

 

Por que ouvir? - O Thin Lizzy infelizmente nunca foi tão reconhecido como deveria. Donos de grandes músicas, temperadas com as famosas "guitarras gêmeas" que fariam escola no heavy metal anos depois, e contando ainda com um letrista fantástico como Phil Lynott, o Lizzy atingiu seu ápice em 1976, e os dois álbuns lançados naquele ano comprovam a qualidade de seu trabalho. Saindo em uma grande turnê norte-americana no ano seguinte, Lynott adoeceu, a excursão foi abortada, e o Lizzy caiu em esquecimento para a grande massa, infelizmente...

Melhores momentos: em "Jailbreak", destacamos a faixa título com seu clima soturno, a pesada "Emerald", o hino "The Boys Are Back In Town", seu maior hit; já em "Johnny The Fox", a poética "Don't Believe a Word" merece audição cuidadosa, assim como a pesada "Massacre" (as duas regravadas, respectivamente, por Def Leppard e Iron Maiden"), além da funkeada "Johnny The Fox Meets Jimmy The Weed" (impossível não notar a semelhança de seus primeiros acordes de guitarra com "Snowblind", do disco solo de 1978 de Ace Frehley, do Kiss).

Led Zeppelin - "Presence" e "The Song Remains The Same"

 

Por que ouvir? - Bem, muitos realmente podem contestar a inclusão de "Presence" nesta lista, por não ser um dos melhores trabalhos do Led. Mas ainda assim, encontramos momentos brilhantes, e convenhamos, um Led Zeppelin menor ainda é maior do que muita coisa que ouvimos por aí. Já "The Song Remains The Same" dispensa maiores apresentações e justificativas: o primeiro duplo ao vivo do grupo, que acompanhou o lançamento do filme nos cinemas (ambos gravados em 1973, mas só lançados então).

Melhores momentos: em "Presence" são obrigatórias a galopante "Achilles Last Stand" e a ótima "Nobody's Fault But Mine", além de "For Your Life". Já em "The Song Remains The Same", os clássicos atemporais "Rock and Roll", "Stairway to Heaven" e "Whole Lotta Love" dividem espaço com as (extremamente) estendidas versões de "No Quarter" e "Dazed and Confused" (que ocupava um lado inteiro no vinil). Na versão expandida lançada recentemente, os fãs ainda ganharam registros do quilate de "The Ocean", "Since I've Been Lovin' You", "Over The Hills and Far Away" e "Black Dog".

Peter Frampton - "Frampton Comes Alive"

Por que ouvir? - O simples argumento de ser o disco ao vivo mais vendido de todos os tempos já valeria pelo menos para ouvir de curiosidade (na época, chegou até a ser vendido pelos correios nos EUA, uma novidade!). Mas seria subestimar um grande trabalho, com Peter Frampton desfilando ótimas músicas e belos solos de guitarra.

Melhores momentos: mesmo que você não suporte mais ouvir, "Baby I Love Your Way" é um dos maiores destaques, assim como a contagiante "Show Me The Way". Destaque também para a abertura com "Something's Happening" e para a surpreendente versão de "Jumpin' Jack Flash", dos Stones.

Rainbow - "Rising"

Por que ouvir? - Em 1976, o Deep Purple não existia mais: após a debandada de Richie Blackmore, muitas divergências internas levaram Jon Lord a jogar a toalha após a turnê de "Come Taste The Band", e logo em seguida o guitarrista Tommy Bolin veio a falecer de overdose. O novo grupo de Blackmore, que já tinha obtido reconhecimento com o primeiro álbum um ano antes, aqui presenteia os fãs com uma obra-prima do rock pesado. Todos dão um show, seja o mago das guitarras, seja Ronnie James Dio com seu vocal poderoso, seja Cozy Powell demolindo sua bateria. Para muitos, foi o primeiro pilar do chamado Power Metal, com suas músicas velozes e arranjos sinfônicos.

Melhores momentos: A abertura com "Tarot Woman" já é de tirar o fôlego, que ainda consegue ser ofuscada pelas brilhantes "Stargazer", gravada junto à Orquestra Filarmônica de Munique (e com performances antológicas de Dio, Powell e Blackmore), e pela veloz "A Light In The Black", com seus solos dobrados de guitarra e teclado e com sua bateria de dois bumbos, que se tornariam clichê décadas depois no heavy melódico...

Scorpions - "Virgin Killer"

Por que ouvir? - Para aqueles que acham que os "vovôs" do metal alemão são apenas a banda que fez "Still Loving You" e "Wind Of Change", que tal descobrir um grupo vigoroso, com canções esbanjando energia? "Virgin Killer" serviu de passaporte para o Scorpions fora da Europa, em uma época em que ainda contavam com os préstimos do virtuoso Uli John Roth. Não se atenha à polêmica sobre a capa original (que trazia uma garotinha nua), coloque o álbum pra tocar e aumente o som!

Melhores momentos: "Pictured Life" abrindo o disco a todo vapor, ritmo que é mantido em "Catch Your Train" (resgatada anos mais tarde no álbum acústico do grupo). Há ainda a divertida "Hell Cat", cantada por Roth, "Backstage Queen" e "Polar Nights".

AC/DC - "Dirty Deeds Done Dirt Cheap"

Por que ouvir? - Porque AC/DC é sinônimo de rock do bom, sem firulas, simples e direto. Foi aqui que os australianos começaram a aparecer para o mundo, conseguindo seus primeiros sucessos. E ainda tínhamos aqui a crueza original no som do grupo, além do saudoso e carismático Bon Scott nos microfones.

Melhores momentos: sem dúvida o grande destaque é a faixa título, ainda hoje uma das favoritas dos fãs. Mas ainda há "Squealer", "Problem Child", "Ride On"... e a versão original australiana trazia "Jailbreak" encerrando o play, faixa que até então havia sido lançada apenas como single.

Eagles - "Hotel California"

Por que ouvir? - Para derrubar o preconceito que a grande maioria da nação roqueira tem com o grupo, por conta da faixa título que tocou à exaustão, chegando inclusive a ser apelidada de "Motel California" por ser melosa demais para seus detratores. Um disco com boas músicas executadas por instrumentistas extremamente competentes.

Melhores momentos: obviamente a faixa título, com um show à parte dos guitarristas Don Felder e Joe Walsh; "Life In The Fast Lane", sobre a agitada vida de um casal moderno - cujo título veio de uma frase de um fornecedor de drogas do grupo, e cujo riff de guitarra surgiu espontaneamente enquanto Joe Walsh aquecia no estúdio, esperando para gravar; e ainda a épica "The Last Resort", versando sobre o declínio da sociedade e fechando o disco com chave de ouro.

Rory Gallagher - "Calling Card"

Por que ouvir? - O saudoso irlandês Rory Gallagher foi um dos melhores guitarristas da década de 1970. Sua pegada blues-rock com agressividade, técnica e feeling nas medidas exatas são louvadas até hoje por muitos guitar heroes, como Brian May e Slash. Como se não bastasse, o cara compunha e cantava maravilhosamente bem. "Calling Card" é sua obra-prima, um disco irretocável do começo ao fim, produzido por Roger Glover (sim, após sua saída do Deep Purple, ele se firmou como produtor). Ah sim, além de tudo o cara ainda esnobou um convite para se juntar aos Rolling Stones quando Mick Taylor - ele era a primeira opção antes de Ron Wood, por sugestão do próprio Keith Richards.

Melhores momentos: a roqueira "Moonchild", onde não fica devendo nada a Richie Blackmore, o blues da faixa-título, a lindíssima acústica "I'll Admit You're Gone", a viajante "Jack-Knife Beat"... tem para todos os gostos!

Rita Lee & Tutti Frutti - Entradas e Bandeiras

Por que ouvir? - Poderíamos simplesmente dizer "porque Rita Lee é o maior nome do rock brasileiro de todos os tempos" e já bastaria. Mas vamos mais além: se não é a obra-prima que foi "Fruto Proibido" (seu antecessor e talvez o melhor disco de rock já gravado no Brasil), "Entradas e Bandeiras" traz a simbiose entre Rita e a banda Tutti Frutti ainda rendendo bons frutos - a relação ficaria desgastada no próximo álbum, quando ela começou a se distanciar um pouco da pegada roqueira e também por conta de estar cada vez mais envolvida em trabalhar com seu marido Roberto  de Carvalho, o que a levou a partir de vez para sua carreira solo.

Melhores momentos: A abertura com "Corista de Rock" e sua letra bem bacana, a glam-rock "Superestafa" (em cujo vídeo promocional Rita está com um visual totalmente David Bowie) e a lindíssima "Coisas da Vida", uma das mais belas músicas já compostas por ela. Ah sim, não esqueçamos da divertida "Bruxa Amarela", composta pela dupla Raul Seixas e Paulo Coelho...

Estes são alguns dos grandes momentos do rock em 1976. E você leitor, sugere mais algum?

Matéria originalmente publicada no site Whiplash!, ora revista e atualizada.

Michael Kamen, o maestro Rock and Roll

“Comfortably Numb” do Pink Floyd, “Who Wants To Live Forever” do Queen, “Silent Lucidity” do Queensrÿche, “(Everything I Do) I Do It For You” de Bryan Adams, “I Don’t Want To Miss A Thing” do Aerosmith… o que estas músicas todas têm em comum? Conhecidíssimas, de muito sucesso e todas com belos arranjos orquestrados. E é aí que entra a figura importantíssima de Michael Kamen, o maestro que abordamos nesta matéria.

Nascido em 15 de abril de 1948 em Nova York, Michael Arnold Kamen foi aluno da Escola de Música e Artes de sua cidade natal, e no final da década de 1960 formou o grupo New York Rock & Roll Ensemble, que mesclava música erudita com rock. Trabalhou com algumas apresentações de balé no teatro até que começou a chamar a atenção dos estúdios de Hollywood, sendo contratado para compor algumas trilhas sonoras (“Conspiração Árabe”, com Sean Connery, foi seu primeiro trabalho). Ao longo dos anos fez música para diversos filmes muito conhecidos do público, como “Máquina Mortífera”, “Highlander”, “Duro de Matar”, “X-Men” e “Robin Hood – O Príncipe dos Ladrões”.

Suas parcerias de sucesso no mundo do rock começaram em 1979, quando o Pink Floyd o chamou para cuidar das partes orquestradas de “The Wall”. A combinação deu tão certo que o maestro foi responsável pela trilha sonora do filme inspirado no álbum, e continuou trabalhando tanto com o grupo quanto com Roger Waters (na versão de “The Wall” ao vivo em Berlim, em 1990). Além disso, o produtor James Guthrie viria a produzir em 1984 o primeiro álbum do Queensrÿche (“The Warning”) e convidaria Kamen para cuidar das orquestrações do álbum – outra parceria que deu tão certo que se estendeu por vários trabalhos do grupo, inclusive no clássico “Operation: Mindcrime”.

Talvez você se lembre também dele no vídeo de “November Rain”, do Guns N’ Roses, embora ele não tenha gravado oficialmente como grupo (as orquestrações ouvidas ali são na verdade sintetizadas). Mas o maestro participou de uma versão ao vivo da música apresentada no MTV no Vídeo Music Awards em 1992, com a participação especial de Elton John. Aliás, foi nesta mesma premiação que Kamen colaborou pela primeira vez com o Aerosmith, na épica versão orquestrada do clássico “Dream On”, em 1990 – a parceria se repetiria em “I Don’t Want To Miss A Thing”, gravada para a trilha sonora do filme “Armageddon”.

Bryan Adams foi outro que colheu frutos de muito sucesso trabalhando com Kamen. Adams, o produtor Mutt Lange e ele escreveram juntos “(Everything I Do) I Do It For You”, que fez um sucesso avassalador ao redor do mundo e foi tema do filme “Robin Hood”. E a colaboração que se repetiu em “Have You Ever Really Loved a Woman?” (do filme “Don Juan de Marco”) e “All For Love” (do filme “Os Três Mosqueteiros”), sendo que nesta última Adams dividiu os microfones com Rod Stewart e Sting. O ex-The Police, aliás, já havia trabalhado com o maestro em “It’s Probably Me” (tema do filme “Máquina Mortífera 3”), com participação de Eric Clapton na guitarra, que por sua vez também contou com os préstimos de Kamen em seu lendário show “24 Nights” e com quem compôs a trilha sonora da série televisiva “Edge Of Darkness”, em 1985. Outra obra inesquecível que contou com sua grande participação foi “S&M” do Metallica, o famoso álbum gravado com orquestra – o grupo já o conhecia desde os tempos do Black Album, onde Kamen foi o responsável pelo arranjo de cordas ali presente.

Por fim, apenas por alto, citamos mais algumas contribuições de Michael Kamen para o universo roqueiro, onde foi o responsável pelas orquestrações: “Who Wants To Live Forever”, do Queen; “Nobody’s Hero”, do Rush; “Always”, do Bon Jovi; “Warchild”, do Cranberries, além de diversas músicas na trilha sonora de “O Último Grande Herói”, (como “Two Steps Behind”, do Def Leppard, “Real World”, do Queensrÿche e “Jack The Ripper”, junto a Buckethead e a Los Angeles Rock and Roll Ensemble). Participou também do álbum “Wildflowers” de Tom Petty e do “Concert For George”, tributo a George Harrison com Paul McCartney, Eric Clapton e outros convidados, além do DVD acústico "In Concert" de David Gilmour.

Diante de tudo isso, podemos dizer que Kamen contribuiu diretamente para o fenômeno dos “álbuns ao vivo com orquestra” que tomaram o mundo do rock nas décadas de 1990 e 2000. Ele faleceu em 2003, vítima de uma parada cardíaca, aos 55 anos de idade. Ele já vinha também lutando contra a Esclerose Múltipla, diagnosticada seis anos antes. David Gilmour dedicou seu álbum solo “On An Island” de 2006 à sua memória.

Na playlist abaixo você pode conferir alguns dos trabalhos de Michael Kamen que ficaram na memória do público roqueiro...

Helter Skelter: a música que Charles Manson "roubou" dos Beatles

“Helter Skelter”. Uma das mais famosas canções do álbum homônimo dos Beatles lançado em 1968 (também conhecido como o “Álbum Branco”), regravada por vários artistas, entre eles Aerosmith,  Mötley Crüe, U2 e Oasis. Para muitos, o marco inicial do heavy metal. Como foi que uma música concebida apenas para ser uma diversão barulhenta, acabou se tornando uma fonte de inspiração de alguns dos crimes mais chocantes dos Estados Unidos no século passado? Vamos recapitular brevemente este trágico episódio, desde a concepção da canção até os trágicos crimes liderados por Charles Manson.

“Esta é música mais barulhenta, crua e suja que já gravamos”

Pete Townshend, do The Who, sobre sua música “I Can See For Miles”.

“Seria ótimo fazer uma música assim...”

Paul McCartney, ao ler a entrevista de Townshend.

“É totalmente Paul... não tem nada a ver com nada, e menos ainda comigo...”

John Lennon, sobre “Helter Skelter”.

“Estou com bolhas nos meus dedos!!!”

Ringo Starr, baterista dos Beatles, gritando ao final de “Helter Skelter”.

“Por causa desta música eu perdi minha mulher”

Roman Polanski, cineasta, sobre “Helter Skelter”.

“Esta é uma canção que Charles Manson roubou dos Beatles, e nós estamos roubando de volta”

Bono, vocalista do U2, ao anunciar “Helter Skelter”, no filme “Rattle And Hum”.

UMA “RESPOSTA” AO THE WHO

Nos idos de 1968, os Beatles haviam definitivamente deixado de ser aquela banda de composições inocentes de seu começo de carreira. Gradativamente, o experimentalismo passa a fazer parte de seu som. A essa altura, já haviam lançado os maravilhosos “Revolver” e “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, que fugiam totalmente dos padrões do “iê-iê-iê” de seus primeiros anos. Paul McCartney admite que a idéia de fazer um álbum como “Sgt. Pepper’s” surgiu após ele ter ouvido a obra-prima dos Beach Boys, “Pet Sounds” – Paul teria se sentido desafiado a fazer um álbum ainda melhor do que aquele da banda norte-americana. Pois o mesmo sentimento de necessidade de “se sobrepor à concorrência” apareceu durante as gravações do famigerado “Álbum Branco”, onde a idéia agora era de superar um feito do The Who.

Em entrevista à revista Guitar Player, Pete Townshend, guitarrista e líder do The Who, afirmava que “I Can See For Miles”, do álbum “The Who Sell Out”, era a canção mais “barulhenta, crua e suja” que eles já haviam gravado. Instigado pela declaração, sir Paul resolveu ouvi-la mais atentamente, pensando em como seria divertido fazer uma canção seguindo tais parâmetros. Em seu modo de ver, a música do The Who era até que bem sofisticada e estruturada, longe do caos que a tal declaração poderia sugerir. Desafiado a gravar algo realmente barulhento, ele escreve “Helter Skelter” (que foi creditada à dupla Lennon – McCartney, como todas as canções que qualquer um deles compusesse, mesmo que isoladamente, dentro da banda). O termo em inglês significa “confusão fora de controle”. Mas para os britânicos era também o nome de um popular tobogã que era sucesso em parques de diversões. A letra da música traz em sua primeira estrofe justamente uma descrição do que seria uma volta no tal brinquedo: “When I get to the bottom I go back to the top of slide, where I stop, and I turn, and I go for a ride, till I get to the bottom, and I see you again...” (“Quando eu chego ao fundo, eu volto ao topo do escorregador, então eu paro e me viro e dou uma volta, até que eu chegue ao fundo e lhe veja de novo...”).

Uma letra boba e despretensiosa, mas que gerou ao longo dos anos as mais diversas interpretações. Segundo Paul, a princípio a idéia seria de uma música sobre a ascensão e queda do Império Romano, usando metaforicamente a imagem do escorregador, mas que no final acabou sendo “apenas uma canção ridícula e divertida, que nós gravamos por gostar do barulho”. Para alguns grupos radicais religiosos, a canção abordava a descendência ao inferno, mostrando alguém numa tentativa de escapar de suas profundezas e não conseguindo – baseando tal teoria em metáforas estapafúrdias e no vocal “desesperado” de Paul. Já para o sociopata Charles Manson, os tais versos iam bem mais além, como veremos mais adiante.

AS SESSÕES DE GRAVAÇÃO

Foram feitas várias e várias tomadas, durante o processo de gravação do álbum mais desconcertante do quarteto. Uma de suas primeiras versões tinha a incrível duração de 27 minutos e 11 segundos (!!!). Segundo depoimentos de quem já a ouviu, era mais arrastada e hipnótica do que a versão final que chegou ao vinil. A lendária versão longa chegou a ser cogitada para fazer parte da coleção “Anthology”, mas o produtor George Martin, após ouvi-la mais uma vez, achou que não tinha nada demais, e foi feita a opção por outra gravação mais curta, de 4:37 – na verdade, tratava-se de uma edição de outro longo take, que durou cerca de 11 minutos, aproximando-se bastante da outra mais longa. Quanto à versão que realmente entrou no disco original, foram gravados no mesmo dia 18 takes, durando em média cinco minutos cada um. E foi justamente o último deles o escolhido como definitivo, onde ao final pode-se ouvir Ringo jogando as baquetas pelo estúdio e gritando: “I’ve got blisters on my fingers!!!” (“Estou com bolhas nos meus dedos!!!”). Reza a lenda que enquanto Paul gravava os vocais, George Harrison corria pelo estúdio com um cinzeiro em chamas sobre sua cabeça, como uma espécie de coroa flamejante à la Arthur Brown... Tudo devidamente registrado em um misterioso vídeo que os fãs jamais assistiram e permanece arquivado no acervo pessoal do grupo...

Um outro detalhe curioso: a versão definitiva de “Helter Skelter” não foi produzida por George Martin, como de costume. Ele se encontrava em férias, e Chris Thomas havia sido contratado para substitui-lo no período. Chris relata que inicialmente sofreu muita rejeição por parte da banda e mal conseguia abrir a boca. E a coisa piorou ainda mais após seu primeiro diálogo com um Beatle. Ao conversar com Paul, sua motivação foi de vez para o ralo. Segundo ele, foi mais ou menos assim.

PAUL: 'O que você está fazendo aqui?'

CHRIS: 'George (Martin) não te falou?'

PAUL: 'Não!'

CHRIS: 'Bem, ele disse para eu vir até aqui e ajudar vocês.'

PAUL: 'Bom... se você quiser produzir nosso disco, você pode. Se você não quiser, então eu posso te dizer para ir se f...'

CHARLES MANSON E SUAS “FAMÍLIAS”

Charles Manson nasceu em Cincinnati, Ohio, em 12 de novembro de 1934. Era filho de uma prostituta (sem trocadilhos) alcoólatra e seu pai mal parava em casa. Em um lar tão desequilibrado, a consequência não poderia ser outra: logo ele se tornou um delinquente juvenil, e frequentemente era internado em reformatórios, acusado principalmente de crimes de falsificação e roubo. Não demorou muito e, ao fugir de um deles, foi expulso de casa pela mãe. Chegou a se casar duas vezes nos anos 1950: no primeiro casamento, por volta de 1956, teve um filho, que nasceu enquanto ele estava preso por ter perdido um de seus julgamentos; no segundo, em 1959, contraiu matrimônio com Crystal Gosser, que depois se revelou uma serial killer e foi internada em um hospício. Após várias outras prisões por todo o país na década seguinte e o nascimento de um segundo filho, em 1967 ele se muda para San Francisco, no auge do movimento hippie.

Na Califórnia, Manson se refugia em uma velha fazenda abandonada, outrora utilizada como cenário de velhos filmes de faroeste. Lá implanta uma espécie de seita com princípios extremamente questionáveis, onde seus seguidores são chamados de “A Família” e crêem piamente que Manson, o seu “messias”, é o próprio Jesus Cristo reencarnado.

Dentre os atos pouco ortodoxos difundidos por ele estão a máxima nazista da supremacia da raça branca, a separação das crianças de seus pais, invasão e saque de residências e lixos de supermercados, além de orgias regadas a muito LSD entre seus membros. Depois de algum tempo, Manson acha uma nova fonte para suas idéias insanas: ele acredita que os Beatles são os cavaleiros do apocalipse que vieram à Terra anunciar o fim do mundo através de suas músicas. E para ele tudo estava claro em várias de suas canções, principalmente as do “Álbum Branco”, que formariam um grande apanhado com as tais mensagens que só ele via: “Yer Blues”, por exemplo, incitava ao suicídio (“Yes I’m lonely, wanna die...” – “sim, estou só, quero morrer...”); “Revolution #9”, que segundo ele narrava os sons do próprio Armageddon; “Blackbird” seria sobre os Panteras Negras (“You were only waiting for this moment to arise” quer dizer “Você só estava esperando por este momento para se erguer” – mas “arise” também pode significar “rebelar-se” ) e “Piggies” sobre os “porcos brancos” (“...and for all the little piggies, life is getting worse...”; “...what they need is a darn good whacking...” – “...e para todos os porquinhos, a vida está piorando...”; “...o que eles precisam é de uma boa surra...”). E a “cereja do bolo” seria “Helter Skelter”, que na concepção do maluco tratava da batalha final na Terra, onde os negros conseguiriam impor sua soberania sobre os brancos e o mundo como conhecemos chegaria a um final trágico...

HELTER SKELTER COLOCADO EM PRÁTICA

Apesar de tanta maluquice, a seita de Manson cresceu bem, e a idéia agora era expandir suas idéias para o resto do mundo, e o primeiro passo seria através da gravação de um disco. Mesmo com toda a influência que conseguia ter, inclusive em pessoas donas de cargos importantes em estúdios e gravadoras, ele não obtém sucesso na empreitada, não passando da gravação de um compacto simples. Em 9 de agosto de 1969, indignado com o produtor musical Terry Melcher, filho da atriz hollywoodiana Doris Day, por ter lhe negado um contrato para lançar um álbum com suas músicas (inclusive a suposta versão original da canção dos Beach Boys “Never Learn Not To Love”, do álbum “20/20” dos californianos, que ele afirmava ser um plágio de sua música chamada “Cease To Exit”), Manson recruta sua família para um ato radical: como o tempo estava passando muito rápido e o fim dos tempos se aproximava, a saída era invadir o apartamento que pertencia ao produtor e assassina-lo, iniciando ele próprio o que seria o “Helter Skelter”, o único meio de chamar a atenção do resto da população para a tragédia iminente. Só que Melcher não residia mais no local, e quem acabou pagando por tudo foram a nova moradora, a atriz Sharon Tate, e seus amigos. Tate, em seus últimos dias de gravidez e esposa do cineasta Roman Polanski, promovia uma festa em casa com alguns amigos. A “Família” liderada por Manson consegue invadir o local e promove uma chacina sem precedentes. A atriz, para se ter uma idéia da covardia, faleceu com dezesseis facadas, onde cinco delas já seriam fatais isoladamente, segundo a perícia. Com o sangue de suas vítimas, os assassinos escrevem nas paredes palavras como “Helter Skelter”, “Political Piggy” (referência a “Piggies”, chamando as vítimas de “porcos políticos”) e “Arise” (extraída da letra de “Blackbird”). Curiosamente, um dos membros da “Família” atendia pelo apelido de “Sexy Sadie”, mesmo nome de uma das músicas do disco branco dos fab four.

Mal houve tempo para a imprensa noticiar tamanha tragédia e Manson e seus seguidores arquitetam mais um crime absurdo. Aleatoriamente, escolhem uma nova residência para cometer mais assassinatos, pois ele julgava que os atos da noite anterior não haviam tido o resultado desejado. Chegam à casa de Leno LaBianca, presidente de uma rede de supermercados da Califórnia, assassinando não só ele (com 12 facadas e 14 ferimentos feitos por um garfo de duas pontas ), mas também sua esposa (com 41 ferimentos perfurantes). No peito de Leno, entalharam em sua carne a palavra “War” (“guerra”). A barbaridade dos crimes causaram pânico entre as celebridades e pessoas ricas que moravam próximos aos locais escolhidos pela “Família” para cometer seus atos. Apesar disso e da similaridade dos crimes, bem como as armas utilizadas e as palavras escritas com sangue, a polícia tratou os crimes como casos isolados. Manson e seus seguidores acabariam sendo presos em uma batida policial na fazenda onde moravam. No decorrer do processo judicial, fatos estranhos aconteceram, como o assassinato de Ronald Hughes, advogado de defesa que ousou desafiar as vontades de Manson, bem como tentativa de homicídio de Barbara Hoyt, testemunha de acusação, utilizando-se um hambúrguer cheio de LSD.

Tudo foi retratado detalhadamente no livro de mais de 700 páginas chamado (adivinhem só?) “Helter Skelter”, de Vincente Bugliosi, o promotor que liderou o processo contra a “Família” – um dos mais longos da história dos Estados Unidos. O livro deu origem, ainda, a dois filmes, um feito para o cinema em 1976, e outro para a TV em 2004.

Charles Manson foi condenado à pena de morte, mas devido a uma alteração nas leis da Califórnia (que aboliu este tipo de condenação) teve sua sentença alterada para prisão perpétua. E infelizmente, ao que parece, ele fez escola, afinal o que já surgiu de doidos nesses quarenta anos depois, matando ou se suicidando, dizendo terem sido influenciados por músicas e filmes... Ele faleceu em 19 de novembro de 2017, em decorrência de uma parada cardíaca e com câncer no cólon, aos 83 anos.

Matéria originalmente publicada no Whiplash!

Quando os grandes nomes do rock resolvem se arriscar em estilos diferentes

Ao longo da história do rock, podemos perceber que alguns dos seus grandes nomes tentam se aventurar em outros estilos diferentes daqueles que os consagraram. Talvez por vontade de tentar algo novo. Quem sabe para tentar agradar críticos. Ou, ainda, para tentar ganhar mais dinheiro por conta de uma nova tendência que esteja na moda. Algumas vezes, tais investidas são muito bem sucedidas, como acontecia sempre com David Bowie, que soube se dar bem e, ao mesmo tempo, fazer boas músicas em todos os gêneros que gravou (aliás, a constante mudança era parte de seu próprio estilo). Mas nem tudo são flores...

Fazendo um grande retrospecto, voltando lá nas origens do bom e velho rock and roll, temos como maior exemplo positivo o caso dos Beatles. Do início, como banda de composições simples da época do “iê-iê-iê”, o quarteto foi transformando seu estilo tão rapidamente que nem parece que tudo aconteceu em menos de dez anos. Basta comparar os primeiros álbuns, como “Please, Please Me” e “With The Beatles”, com algum de seus últimos anos, seja “Sgt. Pepper’s” ou “Abbey Road”, por exemplo. Não houve apenas mudança, como também melhora, evolução.

Outro caso positivo, onde novas influências foram usadas sem necessariamente fazer música ruim ou se vender ao mercado, foi o que ocorreu com o Rush. Nos anos 1970, começou com um rockão básico, foi evoluindo para o lado do progressivo, com composições trabalhadíssimas e nos anos 1980, a partir de “Signals”, gradativamente foi tendo seu estilo influenciado pela sonoridade “new wave”. Aí vieram os anos 1990 e a distorção voltou ao som da banda, assim como a velha pegada rockeira. Pode ser citado também o Aerosmith. Na faixa “Kings and Queens”, do álbum “Draw The Line”, a banda flerta descaradamente com o rock progressivo. E o resultado final foi excelente, uma ótima música. Mais recentemente, em “Just Push Play”, temos alguns toques modernos, de samplers e até mesmo de rock industrial (como em “Beyond Beutiful”). Bem que podiam ter se arriscado mais vezes...

O Queen também é um exemplo de banda que sempre buscou tocar estilos diversos. Na maioria das vezes se deu bem. Fez de tudo, desde música de cabaré (“Seaside Rendesvouz”, “Bring Back That Leroy Brown”) até heavy metal (“Stone Cold Crazy”), rock progressivo (“The Prophet’s Song”), toques de erudito (“The Millionaire Waltz”), ecos de punk (“Sheer Heart Attack”), black music (“Another One Bites The Dust”) e um pouco de várias coisas na lendária “Bohemian Rhapsody”. Porém, quando resolveu tentar fazer disco music... O resultado pode ser conferido no péssimo lado A (sim, estávamos nos tempos do vinil) do álbum “Hot Space”.

A discoteca... Ah, a “maldita” música disco... grande responsável por vários “burros n’água” na história do rock... Quem não se lembra dos Rolling Stones com “I Miss You”, Rod Stewart com “Do You Think I’m Sexy”, ou o Kiss com “I Was Made For Lovin’ You”? Podiam até ser canções divertidas e terem obtido sucesso, mas não chegam nem aos pés, em termos de qualidade, do que eram eles realmente capazes de compor.

O Kiss, aliás, foi uma banda que se aventurou bastante em estilos diferentes do hard rock festivo que sempre os caracterizou. Houve o citado flerte com a discoteca. Depois, tentaram virar pop com o fraquíssimo “Unmasked”. Em seguida, veio “(Music From) The Elder”, um ótimo disco com influências de progressivo, mas que foi execrado por fãs e críticos. Aventuraram-se ainda, anos depois, em algum ponto entre o “grunge” e a psicodelia no também excelente “Carnival of Souls”, disco que foi deixado de lado para se reunirem com a formação clássica (e só foi lançando oficialmente bem depois, por conta dos prejuízos que estavam tendo – ou a falta de lucros – com o sucesso de vendas de suas cópias piratas).

Afinal, existe alguém dentro de uma banda que possa ser apontado como o grande responsável por essas tais mudanças? A mídia e os fãs muitas vezes escolhem, erradamente, seus bodes expiatórios. Como no caso do Genesis, que sempre teve entre seus fãs mais radicais Phil Collins como o grande “vilão”. Mas através dos documentários lançados por eles, podemos perceber por declarações do tecladista Tony Banks e dos demais que não foi bem assim. Com as saídas de Peter Gabriel e Steve Hackett, aos poucos eles foram deixando de lado o som intrincado do rock progressivo e flertando cada vez mais com o pop, com as baladas e tudo mais.

Vale ressaltar que os artistas gostam de demonstrar que vivem dentro de uma democracia em seus grupos e todas as decisões são tomadas por todos. Será que é sempre assim? Após assistir ao documentário “Some Kind Of Monster”, não fica a nítida impressão (confirmação?) de que quem manda no Metallica são mesmo Lars Ulrich e James Hetfield? O Metallica, alías, foi outro nome criticado intensamente durante muito tempo por seu abandono do thrash metal e flerte com o mainstream, em especial na “fase dos cabelos curtos” de “Load” e “Reload”. Isso sem falar no controverso “St. Anger”, o famoso álbum sem solos de guitarra, com bateria mal gravada. Tem ainda o Helloween, comandado a mãos de ferro pelo guitarrista Michael Weikath, que passou por momentos difíceis e crises internas nos últimos dias em que tinham Michael Kiske como frontman, resultando em discos muito bons, mas irregulares e massacrados pelos seus seguidores, como “Pink Bubbles Go Ape” e “Chameleon”.

Por fim, há de se citar o U2 e o Scorpions. No primeiro caso, a megalomania em que os irlandeses se encontravam na década de 1990, em decorrência do sucesso do antológico “Achtung Baby” e de sua turnê, a “Zoo TV”, levaram-nos a continuar com suas experimentações, mas os resultados foram o mediano “Zooropa” e o fraco “Pop”. Já no caso dos alemães, a grande decepção veio com o péssimo “Eye II Eye”. “O que diabos era aquilo?” muitos fãs devem ter se perguntado, diante de um álbum com batidas eletrônicas e levadas excessivamente pop. Nem parecia a mesma banda que outrora havia lançado registros antológicos, como “Lovedrive” e “Blackout”. Em ambos os casos, passada a “ressaca”, veio a volta por cima, com a retomada de seus estilos tradicionais.

Cabe agora a opinião do leitor: tais mudanças fazem bem ou não aos nossos artistas favoritos? Devemos aplaudir as tais mudanças de ares, em buscas de novas inspirações? Sejam boas ou ruins, tais tentativas devem ser respeitadas. Afinal, nem todo mundo consegue se manter muito tempo invariavelmente dentro de um estilo com sucesso, sem virarem clichês de si próprios. As exceções? AC/DC, Motörhead, Oasis, Iron Maiden... Chova ou faça sol, continuaram sempre os mesmos, os fãs sabendo sempre o que esperar a cada novo lançamento, e a qualidade até variando, mas não chegando jamais a descontentar profundamente...

Matéria originalmente publicada no site Whitplash!